- Мігель Ріос - простими словами про непросту акварелі Його палітра - чорний, білий, умбра і сепія,...
- Мігель Ріос - простими словами про непросту акварелі
- Мігель Ріос - простими словами про непросту акварелі
- Мігель Ріос - простими словами про непросту акварелі
- Мігель Ріос - простими словами про непросту акварелі
- Мігель Ріос - простими словами про непросту акварелі
- Мігель Ріос - простими словами про непросту акварелі
Мігель Ріос - простими словами про непросту акварелі 
Його палітра - чорний, білий, умбра і сепія, а його акварелі такі легкі і наповнені життям! Як він це робить? Художник Мігель Ріос розповідає про роботу з аквареллю, про все, що так хвилює початківців художників: про своїх улюблених кистях і палітрі, про фарби і акварельного папері, про те, як знайти свій стиль і добитися успіху.
Творча зустріч з відомим іспанським художником Мігелем Ріос пройшла нещодавно в Москві. Повністю наш відео-звіт про цю подію ви можете подивитися тут Творча зустріч з Miguel Linares Rios
А нижче ми публікуємо найцікавіші витяги з майже двогодинної бесіди з художником! У цій друкованої версії ми зберегли стиль і інтонації Мігеля. Знайомтеся - емоційний і щирий Мігель Ріос.
Ось що розповів Мігель Ріос про себе і свою сім'ю:
- Я з дуже простої сім'ї. Народився я в Малазі в простому бідному районі. З самого дитинства завжди малював. Навіть в шкільних підручниках я теж малював і мене за це лаяли. Я починав як бідний художник. У мене не було грошей на те, щоб купити якісь художні матеріали, і тим більше на те, щоб відвідувати заняття. Всьому чому я навчився, я навчився сам. У мене ніколи не було вчителів, жодного!
Про освіту:
- Я не отримував ніякого художньої освіти. Десь в 15 років я став ходити в бібліотеку, брав там книги з мистецтва, читав про техніку живопису. Купити книги я не міг, тому ходив також до книгарень (причому, в різні, щоб ніхто не запідозрив) і там читав. Тепер у мене багато книг - я купив все ті книги, які раніше бачив в магазинах!
- Спочатку я займався графікою, малював олівцем, а в 20 років почав писати маслом. Перші картини були маленькими, в них вкладалося багато зусиль. А починав я з гіперреалізму, мої роботи були схожі на фотографії. Це мені дуже допомогло робити малюнок, будувати композицію і підбирати колір. Але іспанська характер - емоційний, і через якийсь час мені стало не цікаво і нудно працювати в цій техніці, і я став спрощувати і спрощувати стиль.
Без вчителів техніці навчитися складно, потрібно 3-4 роки безперервно практикуватися. Наприклад, 3-4 роки я займався тільки пастеллю. Пробував різні види паперу, кольору - як вони поєднуються. Те ж саме з аквареллю, акрилом, маслом - з усіма техніками.
Про роботу:
- У Малазі у мене своя школа. Я даю уроки по всім технікам: графіка, акварель, акрил, олія, пастель.
Перш ніж самостійно заробляти живописом, я працював в різних місцях. Я завжди заробляв тільки для того, щоб малювати, мріяв, щоб у мене була можливість займатися тільки малюванням і ніякий інший роботою. Але пройшло багато років, перш ніж так вийшло. Потрібно багато працювати, практикуватися, шукати свій стиль, адже художників дуже багато!
Кілька років я працював в студії Disney, малював комікси «Дональд Дак». Насправді я завжди хотів просто малювати, але ця робота була теж дуже корисна, адже вона вчить малюнку. Тепер я займаюся тим, що проводжу уроки, роблю виставки.
Про акварельного живопису Мігель говорив емоційно і захоплено:
- З плином часу я вирішив перейти до акварелі. Якщо я вибираю якусь техніку, то займаюся тільки нею і вже не переключаюсь ні на що інше. Я пробую різну папір, пензлики, техніку. Найголовніше - це малювати, малювати і малювати. З тих пір, як я почав займатися аквареллю, мені стали часто пропонувати проводити курси. Дуже цікаво, що це відбувається саме з аквареллю, у мене ніколи такого не було, щоб були так популярні курси і картини!
Мене часто запитують: чи не хочу я знову займатися маслом або акрилом? А я завжди говорю, що зараз я зайнятий аквареллю. Але я людина вільна, не хочу, щоб мене контролювала живопис, - це я її контролюю! Живопис - це внутрішній порив, порив серця.
Акварель - це найскладніша техніка, і її не можна підкорити на 100 відсотків. Для мене акварель - це завжди виклик, вона непередбачувана. Ті з вас, хто малює аквареллю, знають, що акварель складно контролювати. З усіма іншими матеріалами - контроль 100 відсотковий, з аквареллю - немає. Акварель - це самостійна істота, яке творить щось своє на папері. Нещодавно в журналі опублікували моє інтерв'ю, і стаття називалася: «Miguel Linares Rios. Кожна акварель - це виклик ». І ця фраза вказана в моєму каталозі до виставки.
Я думаю, найгірше, що може трапитися з художником - це, якщо він доб'ється того, чого шукає. Ми завжди шукаємо те, що нас ідентифікує, відрізняє від інших, завжди перебуваємо в пошуку. Якщо ти знайшов, то, що шукав і заспокоївся, то на цьому все закінчується. Пабло Пікассо народився в тих же краях, що і я, і він теж пробував дуже багато стилів живопису протягом свого життя. І я теж так думаю: художник повинен йти туди, куди його кличе серце.
Про вибір сюжетів:
- Я малював все. Коли хотів малювати портрети, малював тільки портрети, щоб навчитися підбирати колір шкіри, передавати вираз обличчя. Малював також пейзажі, квіти, морську тематику. Багато років я малював в точності те, що бачу, а тепер зображую те, що відчуваю, намагаюся передати в картинах щось особисте. Деякі картини написані по уяві. І ще одна риса, яка характеризує мої роботи останнім часом - це те, що там обов'язково щось відбувається (з'являються кішки, собаки), і картина завжди здається коміксом. Я намагаюся створити в картині історію, цього навчила мене робота в Дісней. У мене є цікаві заголовки до картин, в які я додаю трохи гумору.
Наприклад, ось ця картина називається «Четверо на один стілець»:
А ця називається «Ми його обов'язково знайдемо» (там заховані кішки):
Тема змушує задуматися, що ж відбувається на картині? Я переробляю композицію, додаю елементи, щоб картина виглядала ефектніше. Все починається з малюнка. Для мене малюнок олівцем - це найголовніше.
Про малюнках, які «не вийшли»:
- Перш ніж починати роботу, я намагаюся чітко уявити те, що хочу отримати в результаті. Звичайно акварель така складна, що часом у вас не виходить те, чого ви хочете домогтися, і тоді доводиться картину рвати і викидати.
Скільки часу займає написання картини:
- Я не можу робити картину за кілька раз, завжди за один. Завжди, завжди, завжди за один раз! Зазвичай за 3-4 години. Адже ті, почуття, які є сьогодні, завтра можуть змінитися. Побачиш свою незакінчену картину по-іншому, і діалог, який ти задумав, не відбудеться. Я вважаю за краще закінчити цей діалог відразу.
Про формат картин:
- Зазвичай я використовую два формати: 38х52см і 27х75см. Мені більше подобаються великі формати, тоді ціна дуже сильно зростає. Тут присутній практичний підхід у виборі розміру. Мені потрібно, щоб роботи продавалися. Є ще така проблема: у покупців картин стільки картин, що їх вже нікуди вішати! Картина маленького розміру і великого - це не одне і те ж.
Про вибір паперу для малювання:
- Я працював на крупнозернистою папері ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY - але вона занадто фактурна. Потім перейшов на дрібнозернисту папір теж різних фірм ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Оскільки дрібнозернистий папір сохла дуже довго, я перейшов до сатин. А сатин дуже складний, дуже! І це стало для мене ще більшим викликом. Я малював різні теми, використовуючи різні матеріали, і всі вони мені піддавалися, а цей папір ніяк не хотіла піддаватися. Але я продовжував і продовжував з нею працювати. Цілі рулони сатину відлітали, поки я її не віддав і не створив свою мову, який мені сподобався. Пробував сатин ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Зараз я використовую FABRIANO. Цей папір нікому не подобається, не знаю - чому. В художньому магазині в Малазі, де я купую матеріали, такого паперу немає, і я замовляю рулон тільки для себе. Цей папір дає цікаві ефекти.
Про змочуванні паперу для акварелі:
- Оскільки я купую папір в рулонах, не можна просто відрізати шматочок і просто так поставити, адже папір виходить зігнутою. Я змочую її в душі, щоб вона випросталася і натягую на основу. Але сатин вбирає мало води, а для роботи мені завжди потрібно, щоб папір був волога. Я змочую частинами ті ділянки, на яких працюю. Дуже важко контролювати ступінь вологості паперу і воду, яка є в пензлику. Якщо і папір дуже волога, і в пензлику багато води, то при вертикальній роботі все потече вниз. Щоб це контролювати, потрібна практика. Можна малювати по-всякому, головне практикуватися. Я б зараз не зміг працювати горизонтально. Я знаю, наскільки розтечеться фарба, знаю, наскільки вологий папір, скільки води на пензлику. Важливо практикувати свій метод роботи і тоді ви досягнете успіху. Не можна встати з ранку і сказати: тепер я геній. Потрібно працювати і навчитися контролювати матеріали.
Про квіти:
- Я використовую мало квітів. Звичайно, квітів існує багато, але у мене ніколи не було грошей, щоб купити їх усі. Я купував основні кольори і ще 2-3 додаткових (Сієна палена, охра палена) і навчився робити з них будь-які кольори. Я раджу пробувати робити свої кольори з основних, - це дуже гарна вправа! У моїй палітрі зараз: білий, чорний, неаполітанський жовтий, жовтий кармін, жовта охра, трохи червоного, кармін, кобальт, прусський синій, Сієна натуральна, сепія.
Про палітру:
- Раніше я використовував металеві палітри з двома поверхнями для змішування, на які фарба з тюбиків видавлюється в центр. Тепер у мене палітра з баночками, в них ніколи не сохне фарба. Баночки розташовані на краях палітри, а в центрі місце для змішування. Таку палітру дуже складно знайти. Цю я знайшов в Брюсселі, вона продавалася в господарському магазині і призначалася для того, щоб розфарбовувати фігурки. Для мене це порятунок, тому що завжди є готова фарба. Я пишу густими шарами і мені обов'язково потрібна свіжа фарба.
Як ви бачите, мої роботи не такі прозорі. Мені не подобається багатошарова акварель, я вважаю за краще один шар. Це не одне й те саме: зробити темний колір відразу або декількома шарами. Якщо зробити тон за 5-6 шарів, вийде брудно і занадто густо. Тому я відразу намагаюся набрати таку кількість кольору, яке мені потрібно.
Про кистях:
- Ось ці кисті з вушного волоса я купив в мій перший приїзд до Москви. І завжди, коли приїжджаю, купую кілька штук. Тут дуже дешеві кисті, хороша економія! Звичайно, існують дуже хороші пензлики, дуже дорогі, але найголовніше - це не пензлик, а рука, практика. Немає поганих матеріалів, питання в практиці. Мої роботи зроблені цими кистями.
Я вам раджу спробувати різні-різні кисті, просто, щоб дізнатися, які вони, порівняти. Коли у мене з'явилися гроші, я купив багато пензликів. У мене в студії велика банка з великою кількістю кистей: плоскі, круглі, котячий мову, щетина, з вушного волоса бика, колонок, білка, соболь. Але ефективніше та кисть, якою ти працюєш найчастіше. У моїх кистях мені подобається, що їх не можна контролювати, лінії нечіткі. Ними можна робити і лінію, і форму. Це не просто, але мене як раз і привертає ця складність. І роботи виходять танцюючими, в русі. Картина видає щось своє, відмінне від того, що я в неї вкладаю. Це діалог - діалог зображення, паперу, фарб, пензлів і художника.
Про виробників акварелі:
- Я пробував акварель різних фірм. Коли я тільки починав малювати аквареллю, я не знав ні про SENNELIER, ні про WINSOR & NEWTON. Зараз я використовую REMBRANDT і вже звик до того, які тут кольору. У REMBRANDT така сепія, якої немає у інших виробників, ні у SCHMINCKE, ні WINSOR & NEWTON. Я не знаю, краще це чи гірше, а мені подобається. Іноді мені дарують інші фарби, але вони у мене лежать в коробці, і я їх не використовую. У міру роботи ти знаходиш свою власну палітру. Сьогодні мені не подобаються холодні сірі відтінки, а що буде завтра - я не знаю. І я використовую тільки певні кольори - це теж відмінна риса моїх робіт. Потрібно працювати, експериментувати, пробувати один колір, інший, дивитися, як він буде вписуватися в палітру. Але найголовніше - це практика. По крайней мере, у мене було так.
Про начерках:
- Для мене найголовніше у всіх техніках - це начерк. Багато людей не надають значення начерку. Але малюнок - це не тільки контури, а ще й розташування об'єктів, тон композиції - це все я фіксую в нарисі. Я завжди-завжди роблю ескізи. Хоча багато хто цього не роблять.
Про використання маскує рідини:
- У перших картинах я її використав. Але взагалі-то мені подобаються м'які кордону, а маскує рідина дає дуже чіткі межі. Якщо у вас такий стиль, коли всі лінії дуже чіткі, то це не проблема. Уявіть, що в моїй картині, де все таке м'яке і перетікає, раптом з'являться чіткі межі. Звичайно, дуже зручно закрити це все маскує рідиною. Але на цій картині спочатку я намалював човна, а потім воду. Це дуже складно.
Іноді закриваю ділянки паперовим скотчем. Але, коли я поверх нього вже намалював, то відразу його знімаю, до того, як висохне. Тоді не залишається така чітка межа.
Чи залишаєте ви білий папір?
- Так, мені подобається залишати білий папір - це класична техніка акварелі. Але я також використовую і білила, і неаполітанський жовтий, це дуже криють фарби. Не бачу в цьому жодної проблеми. Найголовніше - це результат. Я не використовую ні гуаш, ні акрил, тільки китайські акварельні білила. І не використовуйте занадто багато фарби, тоді це вже буде не акварель. Тоді потрібно малювати маслом, акрилом або темперою. Акварель повинна бути прозорою, в цьому її відмінність від інших технік.
Коли ви вчилися, ви робили копії з картин великих художників?
- Копії робити цікаво, це допомагає зрозуміти, як зроблена картина. 20 з гаком років тому я копіював Моне пастеллю. Ще копіював Веласкеса, мені подобаються його картини, вони дуже повітряні.
Про пошук свого стилю:
- Як я вже сказав раніше, найгірше - зупинитися, коли ти знайшов те, що шукав. Я ще не знайшов і ніколи не припиню пошук. Зараз я роблю так, але може, через три місяці я все поміняю - і кольору, і техніку, і сюжет. Нічого не визначено. Я пробував багато технік, багато стилів самими різними матеріалами, і це сформувало мене як художника. Пікассо сказав, що художник ніколи не знаходить, а завжди шукає. Коли ти щось знаходиш, це не кінець шляху.
Три роки я малював пастеллю, але настав такий момент, коли я зрозумів, що копіюю самого себе. Тоді я перейшов до інших матеріалів. Мої картини в стилі гіперреалізму дуже добре продавалися, але все одно я перестав цим займатися. Я можу все змінити, навіть якщо немає грошей, щоб купувати матеріали. Друзі говорили: «Як так можна? Картини добре продаються, навіщо щось міняти? »Але важливо бути чесним самим з собою. Якщо мені не подобається те, що я роблю, то я не буду це робити.
Про роботу в студії і на пленерах:
- Для своїх робіт я люблю використовувати фото. Основна тема моїх робіт - міські пейзажі. Звичайно, зараз я можу і без фото намалювати всю картину. Фото - це фіксований образ, на фото сильно спрощуються тони, змінюються тіні. Якщо звичайно його зробив не професійний фотограф, який добре вміє працювати з камерою. Але фото я можу перетворити, зробити щось більш природне, оскільки я вже багато малював з натури. Наприклад, якщо зробити фото в сонячний день, тіні на фото будуть набагато темніше, ніж в реальності. Тому моя порада: якщо ви малюєте по фото, робіть тіні світліше.
Мені подобається малювати з натури. Виходить зовсім інша робота, не така як в студії. Я завжди намагаюся малювати в студії так, як ніби я малюю з натури, щоб роботи були такими ж свіжими. Коли малюєш на пленері, часу мало, доводиться все спрощувати, потрібно встигнути висловити все, що ти хочеш за дуже короткий час. Я малюю в студії точно так же, як, якби малював на пленері. Я не у своєму розпорядженні з комфортом, використовую ту ж палітру, працюю стоячи.
Взагалі, малювати на пленері мені подобається більше. Природа дуже сильно впливає, коли малюєш з натури. І ти малюєш те, що ти бачиш. На природі я теж завжди роблю ескізи, намагаюся створити свою власну картину, трохи відштовхуючись від того, що бачу. Малюнки на пленерах більш щирі. У студії звичайно зручно, немає вітру, але я малював і під дощем, і в туман, - це складно, це виклик.
Вам подобається в Росії?
- Я знаю только Москву. Саме в Москві я відчув, что мої роботи цінуються. Я бачу, что люди зацікавлені в моїй работе, и всі учні, Які приходять на майстер-класи, дуже старанні. Цією Вашої рісою я захоплююсь. Коли я проводжу майстер-класи в других странах, у Франції, в Испании, проблема в тому, что більшість НЕ володіє технікою акварелі. А тут зазвічай приходять люди, Які володіють технікою. Коли я пояснюю, що для малювання по вологому паперу потрібно взяти багато фарби, щоб було багато води, мене розуміють. Цього немає на інших майстер-класах. І найголовніше - всім цікаво, видно, що людям подобається вчитися, дізнаватися, як зробити те чи це. Я бачу, що багатьом не подобається робити начерки, але всі намагаються робити.
Ви в Москві були на пленерах?
- Сьогодні був відмінний день для цього. Відмінна погода. Були на Крутицький подвір'ї. Відмінний світло було, красива церква, колір стін. Але, коли холодно і дощ, це складно. Мені б дуже хотілося поставити мольберт на вікно і малювати місто.
Сьогодні я просто робив фото, як турист. Потім в студії подивлюся, що можна з цим зробити. Перевага студії в тому, що можна сісти і спокійно шукати щось своє.
Як в родині ставляться до того, що людина вибрала творчу професію, став художником, не критикують чи?
- У моїх батьків дуже ліберальне мислення. Вони завжди поважали те, чим я хотів займатися. Батько казав, що завжди потрібно працювати без начальства. У нього не було шефа, він працював на себе. Складно, але зате у мене немає начальника. Батько ніколи не малював, не займався живописом, але він передав мені цей дух свободи, бунтарства. Моєму дідусеві дуже подобалася музика, він складав твори на скрипці і на гітарі. На жаль, я його не знав. У мене є брат, і він теж вільний творець, як я, але він музикант. У нього теж не було грошей на інструменти, на навчання, але він брав інструмент і за 10 хвилин його освоював. Так само як я в живопису, - він в музиці.
А хотіли б ви з'їздити в якусь іншу країну на пленер?
- Нове місто - це завжди нові враження, новий світ, нові зображення. Для художника це завжди новий досвід і нові картини. Тому нове місце для мене збагачує мій досвід. Подорожувати мені не дуже подобається, але, коли подорожую, мене це завжди заворожує. Я бачу інші кольори. Відвідування нових міст багато мені дає. Все в путь!
Ви пишете на замовлення роботи, які вам не подобаються?
- Коли у мене не було грошей, я їздив туди, де багато художників малюють і продають свої роботи. А зараз, якщо клієнти приходять в мою студію, я показую те, що вже є. Якщо їм щось подобається, вони купують. Але, якщо б мені знадобилося малювати на вулиці портрети людей, я б це зробив. Мене це ніяк не зачіпає. Я з дуже простої сім'ї. Якщо мені потрібно брати замовлення, я буду це робити. Але зараз мені це не потрібно.
Мігель Лінарес Ріос (Miguel Linares Rios) - іспанський художник з Малаги.
Член Асоціації Художників Малаги (APLAMA)
Член групи "VIVELARTE", лауреат іспанських і міжнародних конкурсів і премій в галузі образотворчого мистецтва. Учасник численних художніх ярмарків і виставок сучасного живопису. З 1995-го по 2001-й Мігель працював для компанії Disney.
Мігель Ріос - простими словами про непросту акварелі
Його палітра - чорний, білий, умбра і сепія, а його акварелі такі легкі і наповнені життям! Як він це робить? Художник Мігель Ріос розповідає про роботу з аквареллю, про все, що так хвилює початківців художників: про своїх улюблених кистях і палітрі, про фарби і акварельного папері, про те, як знайти свій стиль і добитися успіху.
Творча зустріч з відомим іспанським художником Мігелем Ріос пройшла нещодавно в Москві. Повністю наш відео-звіт про цю подію ви можете подивитися тут Творча зустріч з Miguel Linares Rios
А нижче ми публікуємо найцікавіші витяги з майже двогодинної бесіди з художником! У цій друкованої версії ми зберегли стиль і інтонації Мігеля. Знайомтеся - емоційний і щирий Мігель Ріос.
Ось що розповів Мігель Ріос про себе і свою сім'ю:
- Я з дуже простої сім'ї. Народився я в Малазі в простому бідному районі. З самого дитинства завжди малював. Навіть в шкільних підручниках я теж малював і мене за це лаяли. Я починав як бідний художник. У мене не було грошей на те, щоб купити якісь художні матеріали, і тим більше на те, щоб відвідувати заняття. Всьому чому я навчився, я навчився сам. У мене ніколи не було вчителів, жодного!
Про освіту:
- Я не отримував ніякого художньої освіти. Десь в 15 років я став ходити в бібліотеку, брав там книги з мистецтва, читав про техніку живопису. Купити книги я не міг, тому ходив також до книгарень (причому, в різні, щоб ніхто не запідозрив) і там читав. Тепер у мене багато книг - я купив все ті книги, які раніше бачив в магазинах!
- Спочатку я займався графікою, малював олівцем, а в 20 років почав писати маслом. Перші картини були маленькими, в них вкладалося багато зусиль. А починав я з гіперреалізму, мої роботи були схожі на фотографії. Це мені дуже допомогло робити малюнок, будувати композицію і підбирати колір. Але іспанська характер - емоційний, і через якийсь час мені стало не цікаво і нудно працювати в цій техніці, і я став спрощувати і спрощувати стиль.
Без вчителів техніці навчитися складно, потрібно 3-4 роки безперервно практикуватися. Наприклад, 3-4 роки я займався тільки пастеллю. Пробував різні види паперу, кольору - як вони поєднуються. Те ж саме з аквареллю, акрилом, маслом - з усіма техніками.
Про роботу:
- У Малазі у мене своя школа. Я даю уроки по всім технікам: графіка, акварель, акрил, олія, пастель.
Перш ніж самостійно заробляти живописом, я працював в різних місцях. Я завжди заробляв тільки для того, щоб малювати, мріяв, щоб у мене була можливість займатися тільки малюванням і ніякий інший роботою. Але пройшло багато років, перш ніж так вийшло. Потрібно багато працювати, практикуватися, шукати свій стиль, адже художників дуже багато!
Кілька років я працював в студії Disney, малював комікси «Дональд Дак». Насправді я завжди хотів просто малювати, але ця робота була теж дуже корисна, адже вона вчить малюнку. Тепер я займаюся тим, що проводжу уроки, роблю виставки.
Про акварельного живопису Мігель говорив емоційно і захоплено:
- З плином часу я вирішив перейти до акварелі. Якщо я вибираю якусь техніку, то займаюся тільки нею і вже не переключаюсь ні на що інше. Я пробую різну папір, пензлики, техніку. Найголовніше - це малювати, малювати і малювати. З тих пір, як я почав займатися аквареллю, мені стали часто пропонувати проводити курси. Дуже цікаво, що це відбувається саме з аквареллю, у мене ніколи такого не було, щоб були так популярні курси і картини!
Мене часто запитують: чи не хочу я знову займатися маслом або акрилом? А я завжди говорю, що зараз я зайнятий аквареллю. Але я людина вільна, не хочу, щоб мене контролювала живопис, - це я її контролюю! Живопис - це внутрішній порив, порив серця.
Акварель - це найскладніша техніка, і її не можна підкорити на 100 відсотків. Для мене акварель - це завжди виклик, вона непередбачувана. Ті з вас, хто малює аквареллю, знають, що акварель складно контролювати. З усіма іншими матеріалами - контроль 100 відсотковий, з аквареллю - немає. Акварель - це самостійна істота, яке творить щось своє на папері. Нещодавно в журналі опублікували моє інтерв'ю, і стаття називалася: «Miguel Linares Rios. Кожна акварель - це виклик ». І ця фраза вказана в моєму каталозі до виставки.
Я думаю, найгірше, що може трапитися з художником - це, якщо він доб'ється того, чого шукає. Ми завжди шукаємо те, що нас ідентифікує, відрізняє від інших, завжди перебуваємо в пошуку. Якщо ти знайшов, то, що шукав і заспокоївся, то на цьому все закінчується. Пабло Пікассо народився в тих же краях, що і я, і він теж пробував дуже багато стилів живопису протягом свого життя. І я теж так думаю: художник повинен йти туди, куди його кличе серце.
Про вибір сюжетів:
- Я малював все. Коли хотів малювати портрети, малював тільки портрети, щоб навчитися підбирати колір шкіри, передавати вираз обличчя. Малював також пейзажі, квіти, морську тематику. Багато років я малював в точності те, що бачу, а тепер зображую те, що відчуваю, намагаюся передати в картинах щось особисте. Деякі картини написані по уяві. І ще одна риса, яка характеризує мої роботи останнім часом - це те, що там обов'язково щось відбувається (з'являються кішки, собаки), і картина завжди здається коміксом. Я намагаюся створити в картині історію, цього навчила мене робота в Дісней. У мене є цікаві заголовки до картин, в які я додаю трохи гумору.
Наприклад, ось ця картина називається «Четверо на один стілець»:
А ця називається «Ми його обов'язково знайдемо» (там заховані кішки):
Тема змушує задуматися, що ж відбувається на картині? Я переробляю композицію, додаю елементи, щоб картина виглядала ефектніше. Все починається з малюнка. Для мене малюнок олівцем - це найголовніше.
Про малюнках, які «не вийшли»:
- Перш ніж починати роботу, я намагаюся чітко уявити те, що хочу отримати в результаті. Звичайно акварель така складна, що часом у вас не виходить те, чого ви хочете домогтися, і тоді доводиться картину рвати і викидати.
Скільки часу займає написання картини:
- Я не можу робити картину за кілька раз, завжди за один. Завжди, завжди, завжди за один раз! Зазвичай за 3-4 години. Адже ті, почуття, які є сьогодні, завтра можуть змінитися. Побачиш свою незакінчену картину по-іншому, і діалог, який ти задумав, не відбудеться. Я вважаю за краще закінчити цей діалог відразу.
Про формат картин:
- Зазвичай я використовую два формати: 38х52см і 27х75см. Мені більше подобаються великі формати, тоді ціна дуже сильно зростає. Тут присутній практичний підхід у виборі розміру. Мені потрібно, щоб роботи продавалися. Є ще така проблема: у покупців картин стільки картин, що їх вже нікуди вішати! Картина маленького розміру і великого - це не одне і те ж.
Про вибір паперу для малювання:
- Я працював на крупнозернистою папері ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY - але вона занадто фактурна. Потім перейшов на дрібнозернисту папір теж різних фірм ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Оскільки дрібнозернистий папір сохла дуже довго, я перейшов до сатин. А сатин дуже складний, дуже! І це стало для мене ще більшим викликом. Я малював різні теми, використовуючи різні матеріали, і всі вони мені піддавалися, а цей папір ніяк не хотіла піддаватися. Але я продовжував і продовжував з нею працювати. Цілі рулони сатину відлітали, поки я її не віддав і не створив свою мову, який мені сподобався. Пробував сатин ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Зараз я використовую FABRIANO. Цей папір нікому не подобається, не знаю - чому. В художньому магазині в Малазі, де я купую матеріали, такого паперу немає, і я замовляю рулон тільки для себе. Цей папір дає цікаві ефекти.
Про змочуванні паперу для акварелі:
- Оскільки я купую папір в рулонах, не можна просто відрізати шматочок і просто так поставити, адже папір виходить зігнутою. Я змочую її в душі, щоб вона випросталася і натягую на основу. Але сатин вбирає мало води, а для роботи мені завжди потрібно, щоб папір був волога. Я змочую частинами ті ділянки, на яких працюю. Дуже важко контролювати ступінь вологості паперу і воду, яка є в пензлику. Якщо і папір дуже волога, і в пензлику багато води, то при вертикальній роботі все потече вниз. Щоб це контролювати, потрібна практика. Можна малювати по-всякому, головне практикуватися. Я б зараз не зміг працювати горизонтально. Я знаю, наскільки розтечеться фарба, знаю, наскільки вологий папір, скільки води на пензлику. Важливо практикувати свій метод роботи і тоді ви досягнете успіху. Не можна встати з ранку і сказати: тепер я геній. Потрібно працювати і навчитися контролювати матеріали.
Про квіти:
- Я використовую мало квітів. Звичайно, квітів існує багато, але у мене ніколи не було грошей, щоб купити їх усі. Я купував основні кольори і ще 2-3 додаткових (Сієна палена, охра палена) і навчився робити з них будь-які кольори. Я раджу пробувати робити свої кольори з основних, - це дуже гарна вправа! У моїй палітрі зараз: білий, чорний, неаполітанський жовтий, жовтий кармін, жовта охра, трохи червоного, кармін, кобальт, прусський синій, Сієна натуральна, сепія.
Про палітру:
- Раніше я використовував металеві палітри з двома поверхнями для змішування, на які фарба з тюбиків видавлюється в центр. Тепер у мене палітра з баночками, в них ніколи не сохне фарба. Баночки розташовані на краях палітри, а в центрі місце для змішування. Таку палітру дуже складно знайти. Цю я знайшов в Брюсселі, вона продавалася в господарському магазині і призначалася для того, щоб розфарбовувати фігурки. Для мене це порятунок, тому що завжди є готова фарба. Я пишу густими шарами і мені обов'язково потрібна свіжа фарба.
Як ви бачите, мої роботи не такі прозорі. Мені не подобається багатошарова акварель, я вважаю за краще один шар. Це не одне й те саме: зробити темний колір відразу або декількома шарами. Якщо зробити тон за 5-6 шарів, вийде брудно і занадто густо. Тому я відразу намагаюся набрати таку кількість кольору, яке мені потрібно.
Про кистях:
- Ось ці кисті з вушного волоса я купив в мій перший приїзд до Москви. І завжди, коли приїжджаю, купую кілька штук. Тут дуже дешеві кисті, хороша економія! Звичайно, існують дуже хороші пензлики, дуже дорогі, але найголовніше - це не пензлик, а рука, практика. Немає поганих матеріалів, питання в практиці. Мої роботи зроблені цими кистями.
Я вам раджу спробувати різні-різні кисті, просто, щоб дізнатися, які вони, порівняти. Коли у мене з'явилися гроші, я купив багато пензликів. У мене в студії велика банка з великою кількістю кистей: плоскі, круглі, котячий мову, щетина, з вушного волоса бика, колонок, білка, соболь. Але ефективніше та кисть, якою ти працюєш найчастіше. У моїх кистях мені подобається, що їх не можна контролювати, лінії нечіткі. Ними можна робити і лінію, і форму. Це не просто, але мене як раз і привертає ця складність. І роботи виходять танцюючими, в русі. Картина видає щось своє, відмінне від того, що я в неї вкладаю. Це діалог - діалог зображення, паперу, фарб, пензлів і художника.
Про виробників акварелі:
- Я пробував акварель різних фірм. Коли я тільки починав малювати аквареллю, я не знав ні про SENNELIER, ні про WINSOR & NEWTON. Зараз я використовую REMBRANDT і вже звик до того, які тут кольору. У REMBRANDT така сепія, якої немає у інших виробників, ні у SCHMINCKE, ні WINSOR & NEWTON. Я не знаю, краще це чи гірше, а мені подобається. Іноді мені дарують інші фарби, але вони у мене лежать в коробці, і я їх не використовую. У міру роботи ти знаходиш свою власну палітру. Сьогодні мені не подобаються холодні сірі відтінки, а що буде завтра - я не знаю. І я використовую тільки певні кольори - це теж відмінна риса моїх робіт. Потрібно працювати, експериментувати, пробувати один колір, інший, дивитися, як він буде вписуватися в палітру. Але найголовніше - це практика. По крайней мере, у мене було так.
Про начерках:
- Для мене найголовніше у всіх техніках - це начерк. Багато людей не надають значення начерку. Але малюнок - це не тільки контури, а ще й розташування об'єктів, тон композиції - це все я фіксую в нарисі. Я завжди-завжди роблю ескізи. Хоча багато хто цього не роблять.
Про використання маскує рідини:
- У перших картинах я її використав. Але взагалі-то мені подобаються м'які кордону, а маскує рідина дає дуже чіткі межі. Якщо у вас такий стиль, коли всі лінії дуже чіткі, то це не проблема. Уявіть, що в моїй картині, де все таке м'яке і перетікає, раптом з'являться чіткі межі. Звичайно, дуже зручно закрити це все маскує рідиною. Але на цій картині спочатку я намалював човна, а потім воду. Це дуже складно.
Іноді закриваю ділянки паперовим скотчем. Але, коли я поверх нього вже намалював, то відразу його знімаю, до того, як висохне. Тоді не залишається така чітка межа.
Чи залишаєте ви білий папір?
- Так, мені подобається залишати білий папір - це класична техніка акварелі. Але я також використовую і білила, і неаполітанський жовтий, це дуже криють фарби. Не бачу в цьому жодної проблеми. Найголовніше - це результат. Я не використовую ні гуаш, ні акрил, тільки китайські акварельні білила. І не використовуйте занадто багато фарби, тоді це вже буде не акварель. Тоді потрібно малювати маслом, акрилом або темперою. Акварель повинна бути прозорою, в цьому її відмінність від інших технік.
Коли ви вчилися, ви робили копії з картин великих художників?
- Копії робити цікаво, це допомагає зрозуміти, як зроблена картина. 20 з гаком років тому я копіював Моне пастеллю. Ще копіював Веласкеса, мені подобаються його картини, вони дуже повітряні.
Про пошук свого стилю:
- Як я вже сказав раніше, найгірше - зупинитися, коли ти знайшов те, що шукав. Я ще не знайшов і ніколи не припиню пошук. Зараз я роблю так, але може, через три місяці я все поміняю - і кольору, і техніку, і сюжет. Нічого не визначено. Я пробував багато технік, багато стилів самими різними матеріалами, і це сформувало мене як художника. Пікассо сказав, що художник ніколи не знаходить, а завжди шукає. Коли ти щось знаходиш, це не кінець шляху.
Три роки я малював пастеллю, але настав такий момент, коли я зрозумів, що копіюю самого себе. Тоді я перейшов до інших матеріалів. Мої картини в стилі гіперреалізму дуже добре продавалися, але все одно я перестав цим займатися. Я можу все змінити, навіть якщо немає грошей, щоб купувати матеріали. Друзі говорили: «Як так можна? Картини добре продаються, навіщо щось міняти? »Але важливо бути чесним самим з собою. Якщо мені не подобається те, що я роблю, то я не буду це робити.
Про роботу в студії і на пленерах:
- Для своїх робіт я люблю використовувати фото. Основна тема моїх робіт - міські пейзажі. Звичайно, зараз я можу і без фото намалювати всю картину. Фото - це фіксований образ, на фото сильно спрощуються тони, змінюються тіні. Якщо звичайно його зробив не професійний фотограф, який добре вміє працювати з камерою. Але фото я можу перетворити, зробити щось більш природне, оскільки я вже багато малював з натури. Наприклад, якщо зробити фото в сонячний день, тіні на фото будуть набагато темніше, ніж в реальності. Тому моя порада: якщо ви малюєте по фото, робіть тіні світліше.
Мені подобається малювати з натури. Виходить зовсім інша робота, не така як в студії. Я завжди намагаюся малювати в студії так, як ніби я малюю з натури, щоб роботи були такими ж свіжими. Коли малюєш на пленері, часу мало, доводиться все спрощувати, потрібно встигнути висловити все, що ти хочеш за дуже короткий час. Я малюю в студії точно так же, як, якби малював на пленері. Я не у своєму розпорядженні з комфортом, використовую ту ж палітру, працюю стоячи.
Взагалі, малювати на пленері мені подобається більше. Природа дуже сильно впливає, коли малюєш з натури. І ти малюєш те, що ти бачиш. На природі я теж завжди роблю ескізи, намагаюся створити свою власну картину, трохи відштовхуючись від того, що бачу. Малюнки на пленерах більш щирі. У студії звичайно зручно, немає вітру, але я малював і під дощем, і в туман, - це складно, це виклик.
Вам подобається в Росії?
Мігель Ріос - простими словами про непросту акварелі
Його палітра - чорний, білий, умбра і сепія, а його акварелі такі легкі і наповнені життям! Як він це робить? Художник Мігель Ріос розповідає про роботу з аквареллю, про все, що так хвилює початківців художників: про своїх улюблених кистях і палітрі, про фарби і акварельного папері, про те, як знайти свій стиль і добитися успіху.
Творча зустріч з відомим іспанським художником Мігелем Ріос пройшла нещодавно в Москві. Повністю наш відео-звіт про цю подію ви можете подивитися тут Творча зустріч з Miguel Linares Rios
А нижче ми публікуємо найцікавіші витяги з майже двогодинної бесіди з художником! У цій друкованої версії ми зберегли стиль і інтонації Мігеля. Знайомтеся - емоційний і щирий Мігель Ріос.
Ось що розповів Мігель Ріос про себе і свою сім'ю:
- Я з дуже простої сім'ї. Народився я в Малазі в простому бідному районі. З самого дитинства завжди малював. Навіть в шкільних підручниках я теж малював і мене за це лаяли. Я починав як бідний художник. У мене не було грошей на те, щоб купити якісь художні матеріали, і тим більше на те, щоб відвідувати заняття. Всьому чому я навчився, я навчився сам. У мене ніколи не було вчителів, жодного!
Про освіту:
- Я не отримував ніякого художньої освіти. Десь в 15 років я став ходити в бібліотеку, брав там книги з мистецтва, читав про техніку живопису. Купити книги я не міг, тому ходив також до книгарень (причому, в різні, щоб ніхто не запідозрив) і там читав. Тепер у мене багато книг - я купив все ті книги, які раніше бачив в магазинах!
- Спочатку я займався графікою, малював олівцем, а в 20 років почав писати маслом. Перші картини були маленькими, в них вкладалося багато зусиль. А починав я з гіперреалізму, мої роботи були схожі на фотографії. Це мені дуже допомогло робити малюнок, будувати композицію і підбирати колір. Але іспанська характер - емоційний, і через якийсь час мені стало не цікаво і нудно працювати в цій техніці, і я став спрощувати і спрощувати стиль.
Без вчителів техніці навчитися складно, потрібно 3-4 роки безперервно практикуватися. Наприклад, 3-4 роки я займався тільки пастеллю. Пробував різні види паперу, кольору - як вони поєднуються. Те ж саме з аквареллю, акрилом, маслом - з усіма техніками.
Про роботу:
- У Малазі у мене своя школа. Я даю уроки по всім технікам: графіка, акварель, акрил, олія, пастель.
Перш ніж самостійно заробляти живописом, я працював в різних місцях. Я завжди заробляв тільки для того, щоб малювати, мріяв, щоб у мене була можливість займатися тільки малюванням і ніякий інший роботою. Але пройшло багато років, перш ніж так вийшло. Потрібно багато працювати, практикуватися, шукати свій стиль, адже художників дуже багато!
Кілька років я працював в студії Disney, малював комікси «Дональд Дак». Насправді я завжди хотів просто малювати, але ця робота була теж дуже корисна, адже вона вчить малюнку. Тепер я займаюся тим, що проводжу уроки, роблю виставки.
Про акварельного живопису Мігель говорив емоційно і захоплено:
- З плином часу я вирішив перейти до акварелі. Якщо я вибираю якусь техніку, то займаюся тільки нею і вже не переключаюсь ні на що інше. Я пробую різну папір, пензлики, техніку. Найголовніше - це малювати, малювати і малювати. З тих пір, як я почав займатися аквареллю, мені стали часто пропонувати проводити курси. Дуже цікаво, що це відбувається саме з аквареллю, у мене ніколи такого не було, щоб були так популярні курси і картини!
Мене часто запитують: чи не хочу я знову займатися маслом або акрилом? А я завжди говорю, що зараз я зайнятий аквареллю. Але я людина вільна, не хочу, щоб мене контролювала живопис, - це я її контролюю! Живопис - це внутрішній порив, порив серця.
Акварель - це найскладніша техніка, і її не можна підкорити на 100 відсотків. Для мене акварель - це завжди виклик, вона непередбачувана. Ті з вас, хто малює аквареллю, знають, що акварель складно контролювати. З усіма іншими матеріалами - контроль 100 відсотковий, з аквареллю - немає. Акварель - це самостійна істота, яке творить щось своє на папері. Нещодавно в журналі опублікували моє інтерв'ю, і стаття називалася: «Miguel Linares Rios. Кожна акварель - це виклик ». І ця фраза вказана в моєму каталозі до виставки.
Я думаю, найгірше, що може трапитися з художником - це, якщо він доб'ється того, чого шукає. Ми завжди шукаємо те, що нас ідентифікує, відрізняє від інших, завжди перебуваємо в пошуку. Якщо ти знайшов, то, що шукав і заспокоївся, то на цьому все закінчується. Пабло Пікассо народився в тих же краях, що і я, і він теж пробував дуже багато стилів живопису протягом свого життя. І я теж так думаю: художник повинен йти туди, куди його кличе серце.
Про вибір сюжетів:
- Я малював все. Коли хотів малювати портрети, малював тільки портрети, щоб навчитися підбирати колір шкіри, передавати вираз обличчя. Малював також пейзажі, квіти, морську тематику. Багато років я малював в точності те, що бачу, а тепер зображую те, що відчуваю, намагаюся передати в картинах щось особисте. Деякі картини написані по уяві. І ще одна риса, яка характеризує мої роботи останнім часом - це те, що там обов'язково щось відбувається (з'являються кішки, собаки), і картина завжди здається коміксом. Я намагаюся створити в картині історію, цього навчила мене робота в Дісней. У мене є цікаві заголовки до картин, в які я додаю трохи гумору.
Наприклад, ось ця картина називається «Четверо на один стілець»:
А ця називається «Ми його обов'язково знайдемо» (там заховані кішки):
Тема змушує задуматися, що ж відбувається на картині? Я переробляю композицію, додаю елементи, щоб картина виглядала ефектніше. Все починається з малюнка. Для мене малюнок олівцем - це найголовніше.
Про малюнках, які «не вийшли»:
- Перш ніж починати роботу, я намагаюся чітко уявити те, що хочу отримати в результаті. Звичайно акварель така складна, що часом у вас не виходить те, чого ви хочете домогтися, і тоді доводиться картину рвати і викидати.
Скільки часу займає написання картини:
- Я не можу робити картину за кілька раз, завжди за один. Завжди, завжди, завжди за один раз! Зазвичай за 3-4 години. Адже ті, почуття, які є сьогодні, завтра можуть змінитися. Побачиш свою незакінчену картину по-іншому, і діалог, який ти задумав, не відбудеться. Я вважаю за краще закінчити цей діалог відразу.
Про формат картин:
- Зазвичай я використовую два формати: 38х52см і 27х75см. Мені більше подобаються великі формати, тоді ціна дуже сильно зростає. Тут присутній практичний підхід у виборі розміру. Мені потрібно, щоб роботи продавалися. Є ще така проблема: у покупців картин стільки картин, що їх вже нікуди вішати! Картина маленького розміру і великого - це не одне і те ж.
Про вибір паперу для малювання:
- Я працював на крупнозернистою папері ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY - але вона занадто фактурна. Потім перейшов на дрібнозернисту папір теж різних фірм ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Оскільки дрібнозернистий папір сохла дуже довго, я перейшов до сатин. А сатин дуже складний, дуже! І це стало для мене ще більшим викликом. Я малював різні теми, використовуючи різні матеріали, і всі вони мені піддавалися, а цей папір ніяк не хотіла піддаватися. Але я продовжував і продовжував з нею працювати. Цілі рулони сатину відлітали, поки я її не віддав і не створив свою мову, який мені сподобався. Пробував сатин ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Зараз я використовую FABRIANO. Цей папір нікому не подобається, не знаю - чому. В художньому магазині в Малазі, де я купую матеріали, такого паперу немає, і я замовляю рулон тільки для себе. Цей папір дає цікаві ефекти.
Про змочуванні паперу для акварелі:
- Оскільки я купую папір в рулонах, не можна просто відрізати шматочок і просто так поставити, адже папір виходить зігнутою. Я змочую її в душі, щоб вона випросталася і натягую на основу. Але сатин вбирає мало води, а для роботи мені завжди потрібно, щоб папір був волога. Я змочую частинами ті ділянки, на яких працюю. Дуже важко контролювати ступінь вологості паперу і воду, яка є в пензлику. Якщо і папір дуже волога, і в пензлику багато води, то при вертикальній роботі все потече вниз. Щоб це контролювати, потрібна практика. Можна малювати по-всякому, головне практикуватися. Я б зараз не зміг працювати горизонтально. Я знаю, наскільки розтечеться фарба, знаю, наскільки вологий папір, скільки води на пензлику. Важливо практикувати свій метод роботи і тоді ви досягнете успіху. Не можна встати з ранку і сказати: тепер я геній. Потрібно працювати і навчитися контролювати матеріали.
Про квіти:
- Я використовую мало квітів. Звичайно, квітів існує багато, але у мене ніколи не було грошей, щоб купити їх усі. Я купував основні кольори і ще 2-3 додаткових (Сієна палена, охра палена) і навчився робити з них будь-які кольори. Я раджу пробувати робити свої кольори з основних, - це дуже гарна вправа! У моїй палітрі зараз: білий, чорний, неаполітанський жовтий, жовтий кармін, жовта охра, трохи червоного, кармін, кобальт, прусський синій, Сієна натуральна, сепія.
Про палітру:
- Раніше я використовував металеві палітри з двома поверхнями для змішування, на які фарба з тюбиків видавлюється в центр. Тепер у мене палітра з баночками, в них ніколи не сохне фарба. Баночки розташовані на краях палітри, а в центрі місце для змішування. Таку палітру дуже складно знайти. Цю я знайшов в Брюсселі, вона продавалася в господарському магазині і призначалася для того, щоб розфарбовувати фігурки. Для мене це порятунок, тому що завжди є готова фарба. Я пишу густими шарами і мені обов'язково потрібна свіжа фарба.
Як ви бачите, мої роботи не такі прозорі. Мені не подобається багатошарова акварель, я вважаю за краще один шар. Це не одне й те саме: зробити темний колір відразу або декількома шарами. Якщо зробити тон за 5-6 шарів, вийде брудно і занадто густо. Тому я відразу намагаюся набрати таку кількість кольору, яке мені потрібно.
Про кистях:
- Ось ці кисті з вушного волоса я купив в мій перший приїзд до Москви. І завжди, коли приїжджаю, купую кілька штук. Тут дуже дешеві кисті, хороша економія! Звичайно, існують дуже хороші пензлики, дуже дорогі, але найголовніше - це не пензлик, а рука, практика. Немає поганих матеріалів, питання в практиці. Мої роботи зроблені цими кистями.
Я вам раджу спробувати різні-різні кисті, просто, щоб дізнатися, які вони, порівняти. Коли у мене з'явилися гроші, я купив багато пензликів. У мене в студії велика банка з великою кількістю кистей: плоскі, круглі, котячий мову, щетина, з вушного волоса бика, колонок, білка, соболь. Але ефективніше та кисть, якою ти працюєш найчастіше. У моїх кистях мені подобається, що їх не можна контролювати, лінії нечіткі. Ними можна робити і лінію, і форму. Це не просто, але мене як раз і привертає ця складність. І роботи виходять танцюючими, в русі. Картина видає щось своє, відмінне від того, що я в неї вкладаю. Це діалог - діалог зображення, паперу, фарб, пензлів і художника.
Про виробників акварелі:
- Я пробував акварель різних фірм. Коли я тільки починав малювати аквареллю, я не знав ні про SENNELIER, ні про WINSOR & NEWTON. Зараз я використовую REMBRANDT і вже звик до того, які тут кольору. У REMBRANDT така сепія, якої немає у інших виробників, ні у SCHMINCKE, ні WINSOR & NEWTON. Я не знаю, краще це чи гірше, а мені подобається. Іноді мені дарують інші фарби, але вони у мене лежать в коробці, і я їх не використовую. У міру роботи ти знаходиш свою власну палітру. Сьогодні мені не подобаються холодні сірі відтінки, а що буде завтра - я не знаю. І я використовую тільки певні кольори - це теж відмінна риса моїх робіт. Потрібно працювати, експериментувати, пробувати один колір, інший, дивитися, як він буде вписуватися в палітру. Але найголовніше - це практика. По крайней мере, у мене було так.
Про начерках:
- Для мене найголовніше у всіх техніках - це начерк. Багато людей не надають значення начерку. Але малюнок - це не тільки контури, а ще й розташування об'єктів, тон композиції - це все я фіксую в нарисі. Я завжди-завжди роблю ескізи. Хоча багато хто цього не роблять.
Про використання маскує рідини:
- У перших картинах я її використав. Але взагалі-то мені подобаються м'які кордону, а маскує рідина дає дуже чіткі межі. Якщо у вас такий стиль, коли всі лінії дуже чіткі, то це не проблема. Уявіть, що в моїй картині, де все таке м'яке і перетікає, раптом з'являться чіткі межі. Звичайно, дуже зручно закрити це все маскує рідиною. Але на цій картині спочатку я намалював човна, а потім воду. Це дуже складно.
Іноді закриваю ділянки паперовим скотчем. Але, коли я поверх нього вже намалював, то відразу його знімаю, до того, як висохне. Тоді не залишається така чітка межа.
Чи залишаєте ви білий папір?
- Так, мені подобається залишати білий папір - це класична техніка акварелі. Але я також використовую і білила, і неаполітанський жовтий, це дуже криють фарби. Не бачу в цьому жодної проблеми. Найголовніше - це результат. Я не використовую ні гуаш, ні акрил, тільки китайські акварельні білила. І не використовуйте занадто багато фарби, тоді це вже буде не акварель. Тоді потрібно малювати маслом, акрилом або темперою. Акварель повинна бути прозорою, в цьому її відмінність від інших технік.
Коли ви вчилися, ви робили копії з картин великих художників?
- Копії робити цікаво, це допомагає зрозуміти, як зроблена картина. 20 з гаком років тому я копіював Моне пастеллю. Ще копіював Веласкеса, мені подобаються його картини, вони дуже повітряні.
Про пошук свого стилю:
- Як я вже сказав раніше, найгірше - зупинитися, коли ти знайшов те, що шукав. Я ще не знайшов і ніколи не припиню пошук. Зараз я роблю так, але може, через три місяці я все поміняю - і кольору, і техніку, і сюжет. Нічого не визначено. Я пробував багато технік, багато стилів самими різними матеріалами, і це сформувало мене як художника. Пікассо сказав, що художник ніколи не знаходить, а завжди шукає. Коли ти щось знаходиш, це не кінець шляху.
Три роки я малював пастеллю, але настав такий момент, коли я зрозумів, що копіюю самого себе. Тоді я перейшов до інших матеріалів. Мої картини в стилі гіперреалізму дуже добре продавалися, але все одно я перестав цим займатися. Я можу все змінити, навіть якщо немає грошей, щоб купувати матеріали. Друзі говорили: «Як так можна? Картини добре продаються, навіщо щось міняти? »Але важливо бути чесним самим з собою. Якщо мені не подобається те, що я роблю, то я не буду це робити.
Про роботу в студії і на пленерах:
- Для своїх робіт я люблю використовувати фото. Основна тема моїх робіт - міські пейзажі. Звичайно, зараз я можу і без фото намалювати всю картину. Фото - це фіксований образ, на фото сильно спрощуються тони, змінюються тіні. Якщо звичайно його зробив не професійний фотограф, який добре вміє працювати з камерою. Але фото я можу перетворити, зробити щось більш природне, оскільки я вже багато малював з натури. Наприклад, якщо зробити фото в сонячний день, тіні на фото будуть набагато темніше, ніж в реальності. Тому моя порада: якщо ви малюєте по фото, робіть тіні світліше.
Мені подобається малювати з натури. Виходить зовсім інша робота, не така як в студії. Я завжди намагаюся малювати в студії так, як ніби я малюю з натури, щоб роботи були такими ж свіжими. Коли малюєш на пленері, часу мало, доводиться все спрощувати, потрібно встигнути висловити все, що ти хочеш за дуже короткий час. Я малюю в студії точно так же, як, якби малював на пленері. Я не у своєму розпорядженні з комфортом, використовую ту ж палітру, працюю стоячи.
Взагалі, малювати на пленері мені подобається більше. Природа дуже сильно впливає, коли малюєш з натури. І ти малюєш те, що ти бачиш. На природі я теж завжди роблю ескізи, намагаюся створити свою власну картину, трохи відштовхуючись від того, що бачу. Малюнки на пленерах більш щирі. У студії звичайно зручно, немає вітру, але я малював і під дощем, і в туман, - це складно, це виклик.
Вам подобається в Росії?
Мігель Ріос - простими словами про непросту акварелі
Його палітра - чорний, білий, умбра і сепія, а його акварелі такі легкі і наповнені життям! Як він це робить? Художник Мігель Ріос розповідає про роботу з аквареллю, про все, що так хвилює початківців художників: про своїх улюблених кистях і палітрі, про фарби і акварельного папері, про те, як знайти свій стиль і добитися успіху.
Творча зустріч з відомим іспанським художником Мігелем Ріос пройшла нещодавно в Москві. Повністю наш відео-звіт про цю подію ви можете подивитися тут Творча зустріч з Miguel Linares Rios
А нижче ми публікуємо найцікавіші витяги з майже двогодинної бесіди з художником! У цій друкованої версії ми зберегли стиль і інтонації Мігеля. Знайомтеся - емоційний і щирий Мігель Ріос.
Ось що розповів Мігель Ріос про себе і свою сім'ю:
- Я з дуже простої сім'ї. Народився я в Малазі в простому бідному районі. З самого дитинства завжди малював. Навіть в шкільних підручниках я теж малював і мене за це лаяли. Я починав як бідний художник. У мене не було грошей на те, щоб купити якісь художні матеріали, і тим більше на те, щоб відвідувати заняття. Всьому чому я навчився, я навчився сам. У мене ніколи не було вчителів, жодного!
Про освіту:
- Я не отримував ніякого художньої освіти. Десь в 15 років я став ходити в бібліотеку, брав там книги з мистецтва, читав про техніку живопису. Купити книги я не міг, тому ходив також до книгарень (причому, в різні, щоб ніхто не запідозрив) і там читав. Тепер у мене багато книг - я купив все ті книги, які раніше бачив в магазинах!
- Спочатку я займався графікою, малював олівцем, а в 20 років почав писати маслом. Перші картини були маленькими, в них вкладалося багато зусиль. А починав я з гіперреалізму, мої роботи були схожі на фотографії. Це мені дуже допомогло робити малюнок, будувати композицію і підбирати колір. Але іспанська характер - емоційний, і через якийсь час мені стало не цікаво і нудно працювати в цій техніці, і я став спрощувати і спрощувати стиль.
Без вчителів техніці навчитися складно, потрібно 3-4 роки безперервно практикуватися. Наприклад, 3-4 роки я займався тільки пастеллю. Пробував різні види паперу, кольору - як вони поєднуються. Те ж саме з аквареллю, акрилом, маслом - з усіма техніками.
Про роботу:
- У Малазі у мене своя школа. Я даю уроки по всім технікам: графіка, акварель, акрил, олія, пастель.
Перш ніж самостійно заробляти живописом, я працював в різних місцях. Я завжди заробляв тільки для того, щоб малювати, мріяв, щоб у мене була можливість займатися тільки малюванням і ніякий інший роботою. Але пройшло багато років, перш ніж так вийшло. Потрібно багато працювати, практикуватися, шукати свій стиль, адже художників дуже багато!
Кілька років я працював в студії Disney, малював комікси «Дональд Дак». Насправді я завжди хотів просто малювати, але ця робота була теж дуже корисна, адже вона вчить малюнку. Тепер я займаюся тим, що проводжу уроки, роблю виставки.
Про акварельного живопису Мігель говорив емоційно і захоплено:
- З плином часу я вирішив перейти до акварелі. Якщо я вибираю якусь техніку, то займаюся тільки нею і вже не переключаюсь ні на що інше. Я пробую різну папір, пензлики, техніку. Найголовніше - це малювати, малювати і малювати. З тих пір, як я почав займатися аквареллю, мені стали часто пропонувати проводити курси. Дуже цікаво, що це відбувається саме з аквареллю, у мене ніколи такого не було, щоб були так популярні курси і картини!
Мене часто запитують: чи не хочу я знову займатися маслом або акрилом? А я завжди говорю, що зараз я зайнятий аквареллю. Але я людина вільна, не хочу, щоб мене контролювала живопис, - це я її контролюю! Живопис - це внутрішній порив, порив серця.
Акварель - це найскладніша техніка, і її не можна підкорити на 100 відсотків. Для мене акварель - це завжди виклик, вона непередбачувана. Ті з вас, хто малює аквареллю, знають, що акварель складно контролювати. З усіма іншими матеріалами - контроль 100 відсотковий, з аквареллю - немає. Акварель - це самостійна істота, яке творить щось своє на папері. Нещодавно в журналі опублікували моє інтерв'ю, і стаття називалася: «Miguel Linares Rios. Кожна акварель - це виклик ». І ця фраза вказана в моєму каталозі до виставки.
Я думаю, найгірше, що може трапитися з художником - це, якщо він доб'ється того, чого шукає. Ми завжди шукаємо те, що нас ідентифікує, відрізняє від інших, завжди перебуваємо в пошуку. Якщо ти знайшов, то, що шукав і заспокоївся, то на цьому все закінчується. Пабло Пікассо народився в тих же краях, що і я, і він теж пробував дуже багато стилів живопису протягом свого життя. І я теж так думаю: художник повинен йти туди, куди його кличе серце.
Про вибір сюжетів:
- Я малював все. Коли хотів малювати портрети, малював тільки портрети, щоб навчитися підбирати колір шкіри, передавати вираз обличчя. Малював також пейзажі, квіти, морську тематику. Багато років я малював в точності те, що бачу, а тепер зображую те, що відчуваю, намагаюся передати в картинах щось особисте. Деякі картини написані по уяві. І ще одна риса, яка характеризує мої роботи останнім часом - це те, що там обов'язково щось відбувається (з'являються кішки, собаки), і картина завжди здається коміксом. Я намагаюся створити в картині історію, цього навчила мене робота в Дісней. У мене є цікаві заголовки до картин, в які я додаю трохи гумору.
Наприклад, ось ця картина називається «Четверо на один стілець»:
А ця називається «Ми його обов'язково знайдемо» (там заховані кішки):
Тема змушує задуматися, що ж відбувається на картині? Я переробляю композицію, додаю елементи, щоб картина виглядала ефектніше. Все починається з малюнка. Для мене малюнок олівцем - це найголовніше.
Про малюнках, які «не вийшли»:
- Перш ніж починати роботу, я намагаюся чітко уявити те, що хочу отримати в результаті. Звичайно акварель така складна, що часом у вас не виходить те, чого ви хочете домогтися, і тоді доводиться картину рвати і викидати.
Скільки часу займає написання картини:
- Я не можу робити картину за кілька раз, завжди за один. Завжди, завжди, завжди за один раз! Зазвичай за 3-4 години. Адже ті, почуття, які є сьогодні, завтра можуть змінитися. Побачиш свою незакінчену картину по-іншому, і діалог, який ти задумав, не відбудеться. Я вважаю за краще закінчити цей діалог відразу.
Про формат картин:
- Зазвичай я використовую два формати: 38х52см і 27х75см. Мені більше подобаються великі формати, тоді ціна дуже сильно зростає. Тут присутній практичний підхід у виборі розміру. Мені потрібно, щоб роботи продавалися. Є ще така проблема: у покупців картин стільки картин, що їх вже нікуди вішати! Картина маленького розміру і великого - це не одне і те ж.
Про вибір паперу для малювання:
- Я працював на крупнозернистою папері ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY - але вона занадто фактурна. Потім перейшов на дрібнозернисту папір теж різних фірм ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Оскільки дрібнозернистий папір сохла дуже довго, я перейшов до сатин. А сатин дуже складний, дуже! І це стало для мене ще більшим викликом. Я малював різні теми, використовуючи різні матеріали, і всі вони мені піддавалися, а цей папір ніяк не хотіла піддаватися. Але я продовжував і продовжував з нею працювати. Цілі рулони сатину відлітали, поки я її не віддав і не створив свою мову, який мені сподобався. Пробував сатин ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Зараз я використовую FABRIANO. Цей папір нікому не подобається, не знаю - чому. В художньому магазині в Малазі, де я купую матеріали, такого паперу немає, і я замовляю рулон тільки для себе. Цей папір дає цікаві ефекти.
Про змочуванні паперу для акварелі:
- Оскільки я купую папір в рулонах, не можна просто відрізати шматочок і просто так поставити, адже папір виходить зігнутою. Я змочую її в душі, щоб вона випросталася і натягую на основу. Але сатин вбирає мало води, а для роботи мені завжди потрібно, щоб папір був волога. Я змочую частинами ті ділянки, на яких працюю. Дуже важко контролювати ступінь вологості паперу і воду, яка є в пензлику. Якщо і папір дуже волога, і в пензлику багато води, то при вертикальній роботі все потече вниз. Щоб це контролювати, потрібна практика. Можна малювати по-всякому, головне практикуватися. Я б зараз не зміг працювати горизонтально. Я знаю, наскільки розтечеться фарба, знаю, наскільки вологий папір, скільки води на пензлику. Важливо практикувати свій метод роботи і тоді ви досягнете успіху. Не можна встати з ранку і сказати: тепер я геній. Потрібно працювати і навчитися контролювати матеріали.
Про квіти:
- Я використовую мало квітів. Звичайно, квітів існує багато, але у мене ніколи не було грошей, щоб купити їх усі. Я купував основні кольори і ще 2-3 додаткових (Сієна палена, охра палена) і навчився робити з них будь-які кольори. Я раджу пробувати робити свої кольори з основних, - це дуже гарна вправа! У моїй палітрі зараз: білий, чорний, неаполітанський жовтий, жовтий кармін, жовта охра, трохи червоного, кармін, кобальт, прусський синій, Сієна натуральна, сепія.
Про палітру:
- Раніше я використовував металеві палітри з двома поверхнями для змішування, на які фарба з тюбиків видавлюється в центр. Тепер у мене палітра з баночками, в них ніколи не сохне фарба. Баночки розташовані на краях палітри, а в центрі місце для змішування. Таку палітру дуже складно знайти. Цю я знайшов в Брюсселі, вона продавалася в господарському магазині і призначалася для того, щоб розфарбовувати фігурки. Для мене це порятунок, тому що завжди є готова фарба. Я пишу густими шарами і мені обов'язково потрібна свіжа фарба.
Як ви бачите, мої роботи не такі прозорі. Мені не подобається багатошарова акварель, я вважаю за краще один шар. Це не одне й те саме: зробити темний колір відразу або декількома шарами. Якщо зробити тон за 5-6 шарів, вийде брудно і занадто густо. Тому я відразу намагаюся набрати таку кількість кольору, яке мені потрібно.
Про кистях:
- Ось ці кисті з вушного волоса я купив в мій перший приїзд до Москви. І завжди, коли приїжджаю, купую кілька штук. Тут дуже дешеві кисті, хороша економія! Звичайно, існують дуже хороші пензлики, дуже дорогі, але найголовніше - це не пензлик, а рука, практика. Немає поганих матеріалів, питання в практиці. Мої роботи зроблені цими кистями.
Я вам раджу спробувати різні-різні кисті, просто, щоб дізнатися, які вони, порівняти. Коли у мене з'явилися гроші, я купив багато пензликів. У мене в студії велика банка з великою кількістю кистей: плоскі, круглі, котячий мову, щетина, з вушного волоса бика, колонок, білка, соболь. Але ефективніше та кисть, якою ти працюєш найчастіше. У моїх кистях мені подобається, що їх не можна контролювати, лінії нечіткі. Ними можна робити і лінію, і форму. Це не просто, але мене як раз і привертає ця складність. І роботи виходять танцюючими, в русі. Картина видає щось своє, відмінне від того, що я в неї вкладаю. Це діалог - діалог зображення, паперу, фарб, пензлів і художника.
Про виробників акварелі:
- Я пробував акварель різних фірм. Коли я тільки починав малювати аквареллю, я не знав ні про SENNELIER, ні про WINSOR & NEWTON. Зараз я використовую REMBRANDT і вже звик до того, які тут кольору. У REMBRANDT така сепія, якої немає у інших виробників, ні у SCHMINCKE, ні WINSOR & NEWTON. Я не знаю, краще це чи гірше, а мені подобається. Іноді мені дарують інші фарби, але вони у мене лежать в коробці, і я їх не використовую. У міру роботи ти знаходиш свою власну палітру. Сьогодні мені не подобаються холодні сірі відтінки, а що буде завтра - я не знаю. І я використовую тільки певні кольори - це теж відмінна риса моїх робіт. Потрібно працювати, експериментувати, пробувати один колір, інший, дивитися, як він буде вписуватися в палітру. Але найголовніше - це практика. По крайней мере, у мене було так.
Про начерках:
- Для мене найголовніше у всіх техніках - це начерк. Багато людей не надають значення начерку. Але малюнок - це не тільки контури, а ще й розташування об'єктів, тон композиції - це все я фіксую в нарисі. Я завжди-завжди роблю ескізи. Хоча багато хто цього не роблять.
Про використання маскує рідини:
- У перших картинах я її використав. Але взагалі-то мені подобаються м'які кордону, а маскує рідина дає дуже чіткі межі. Якщо у вас такий стиль, коли всі лінії дуже чіткі, то це не проблема. Уявіть, що в моїй картині, де все таке м'яке і перетікає, раптом з'являться чіткі межі. Звичайно, дуже зручно закрити це все маскує рідиною. Але на цій картині спочатку я намалював човна, а потім воду. Це дуже складно.
Іноді закриваю ділянки паперовим скотчем. Але, коли я поверх нього вже намалював, то відразу його знімаю, до того, як висохне. Тоді не залишається така чітка межа.
Чи залишаєте ви білий папір?
- Так, мені подобається залишати білий папір - це класична техніка акварелі. Але я також використовую і білила, і неаполітанський жовтий, це дуже криють фарби. Не бачу в цьому жодної проблеми. Найголовніше - це результат. Я не використовую ні гуаш, ні акрил, тільки китайські акварельні білила. І не використовуйте занадто багато фарби, тоді це вже буде не акварель. Тоді потрібно малювати маслом, акрилом або темперою. Акварель повинна бути прозорою, в цьому її відмінність від інших технік.
Коли ви вчилися, ви робили копії з картин великих художників?
- Копії робити цікаво, це допомагає зрозуміти, як зроблена картина. 20 з гаком років тому я копіював Моне пастеллю. Ще копіював Веласкеса, мені подобаються його картини, вони дуже повітряні.
Про пошук свого стилю:
- Як я вже сказав раніше, найгірше - зупинитися, коли ти знайшов те, що шукав. Я ще не знайшов і ніколи не припиню пошук. Зараз я роблю так, але може, через три місяці я все поміняю - і кольору, і техніку, і сюжет. Нічого не визначено. Я пробував багато технік, багато стилів самими різними матеріалами, і це сформувало мене як художника. Пікассо сказав, що художник ніколи не знаходить, а завжди шукає. Коли ти щось знаходиш, це не кінець шляху.
Три роки я малював пастеллю, але настав такий момент, коли я зрозумів, що копіюю самого себе. Тоді я перейшов до інших матеріалів. Мої картини в стилі гіперреалізму дуже добре продавалися, але все одно я перестав цим займатися. Я можу все змінити, навіть якщо немає грошей, щоб купувати матеріали. Друзі говорили: «Як так можна? Картини добре продаються, навіщо щось міняти? »Але важливо бути чесним самим з собою. Якщо мені не подобається те, що я роблю, то я не буду це робити.
Про роботу в студії і на пленерах:
- Для своїх робіт я люблю використовувати фото. Основна тема моїх робіт - міські пейзажі. Звичайно, зараз я можу і без фото намалювати всю картину. Фото - це фіксований образ, на фото сильно спрощуються тони, змінюються тіні. Якщо звичайно його зробив не професійний фотограф, який добре вміє працювати з камерою. Але фото я можу перетворити, зробити щось більш природне, оскільки я вже багато малював з натури. Наприклад, якщо зробити фото в сонячний день, тіні на фото будуть набагато темніше, ніж в реальності. Тому моя порада: якщо ви малюєте по фото, робіть тіні світліше.
Мені подобається малювати з натури. Виходить зовсім інша робота, не така як в студії. Я завжди намагаюся малювати в студії так, як ніби я малюю з натури, щоб роботи були такими ж свіжими. Коли малюєш на пленері, часу мало, доводиться все спрощувати, потрібно встигнути висловити все, що ти хочеш за дуже короткий час. Я малюю в студії точно так же, як, якби малював на пленері. Я не у своєму розпорядженні з комфортом, використовую ту ж палітру, працюю стоячи.
Взагалі, малювати на пленері мені подобається більше. Природа дуже сильно впливає, коли малюєш з натури. І ти малюєш те, що ти бачиш. На природі я теж завжди роблю ескізи, намагаюся створити свою власну картину, трохи відштовхуючись від того, що бачу. Малюнки на пленерах більш щирі. У студії звичайно зручно, немає вітру, але я малював і під дощем, і в туман, - це складно, це виклик.
Вам подобається в Росії?
Мігель Ріос - простими словами про непросту акварелі
Його палітра - чорний, білий, умбра і сепія, а його акварелі такі легкі і наповнені життям! Як він це робить? Художник Мігель Ріос розповідає про роботу з аквареллю, про все, що так хвилює початківців художників: про своїх улюблених кистях і палітрі, про фарби і акварельного папері, про те, як знайти свій стиль і добитися успіху.
Творча зустріч з відомим іспанським художником Мігелем Ріос пройшла нещодавно в Москві. Повністю наш відео-звіт про цю подію ви можете подивитися тут Творча зустріч з Miguel Linares Rios
А нижче ми публікуємо найцікавіші витяги з майже двогодинної бесіди з художником! У цій друкованої версії ми зберегли стиль і інтонації Мігеля. Знайомтеся - емоційний і щирий Мігель Ріос.
Ось що розповів Мігель Ріос про себе і свою сім'ю:
- Я з дуже простої сім'ї. Народився я в Малазі в простому бідному районі. З самого дитинства завжди малював. Навіть в шкільних підручниках я теж малював і мене за це лаяли. Я починав як бідний художник. У мене не було грошей на те, щоб купити якісь художні матеріали, і тим більше на те, щоб відвідувати заняття. Всьому чому я навчився, я навчився сам. У мене ніколи не було вчителів, жодного!
Про освіту:
- Я не отримував ніякого художньої освіти. Десь в 15 років я став ходити в бібліотеку, брав там книги з мистецтва, читав про техніку живопису. Купити книги я не міг, тому ходив також до книгарень (причому, в різні, щоб ніхто не запідозрив) і там читав. Тепер у мене багато книг - я купив все ті книги, які раніше бачив в магазинах!
- Спочатку я займався графікою, малював олівцем, а в 20 років почав писати маслом. Перші картини були маленькими, в них вкладалося багато зусиль. А починав я з гіперреалізму, мої роботи були схожі на фотографії. Це мені дуже допомогло робити малюнок, будувати композицію і підбирати колір. Але іспанська характер - емоційний, і через якийсь час мені стало не цікаво і нудно працювати в цій техніці, і я став спрощувати і спрощувати стиль.
Без вчителів техніці навчитися складно, потрібно 3-4 роки безперервно практикуватися. Наприклад, 3-4 роки я займався тільки пастеллю. Пробував різні види паперу, кольору - як вони поєднуються. Те ж саме з аквареллю, акрилом, маслом - з усіма техніками.
Про роботу:
- У Малазі у мене своя школа. Я даю уроки по всім технікам: графіка, акварель, акрил, олія, пастель.
Перш ніж самостійно заробляти живописом, я працював в різних місцях. Я завжди заробляв тільки для того, щоб малювати, мріяв, щоб у мене була можливість займатися тільки малюванням і ніякий інший роботою. Але пройшло багато років, перш ніж так вийшло. Потрібно багато працювати, практикуватися, шукати свій стиль, адже художників дуже багато!
Кілька років я працював в студії Disney, малював комікси «Дональд Дак». Насправді я завжди хотів просто малювати, але ця робота була теж дуже корисна, адже вона вчить малюнку. Тепер я займаюся тим, що проводжу уроки, роблю виставки.
Про акварельного живопису Мігель говорив емоційно і захоплено:
- З плином часу я вирішив перейти до акварелі. Якщо я вибираю якусь техніку, то займаюся тільки нею і вже не переключаюсь ні на що інше. Я пробую різну папір, пензлики, техніку. Найголовніше - це малювати, малювати і малювати. З тих пір, як я почав займатися аквареллю, мені стали часто пропонувати проводити курси. Дуже цікаво, що це відбувається саме з аквареллю, у мене ніколи такого не було, щоб були так популярні курси і картини!
Мене часто запитують: чи не хочу я знову займатися маслом або акрилом? А я завжди говорю, що зараз я зайнятий аквареллю. Але я людина вільна, не хочу, щоб мене контролювала живопис, - це я її контролюю! Живопис - це внутрішній порив, порив серця.
Акварель - це найскладніша техніка, і її не можна підкорити на 100 відсотків. Для мене акварель - це завжди виклик, вона непередбачувана. Ті з вас, хто малює аквареллю, знають, що акварель складно контролювати. З усіма іншими матеріалами - контроль 100 відсотковий, з аквареллю - немає. Акварель - це самостійна істота, яке творить щось своє на папері. Нещодавно в журналі опублікували моє інтерв'ю, і стаття називалася: «Miguel Linares Rios. Кожна акварель - це виклик ». І ця фраза вказана в моєму каталозі до виставки.
Я думаю, найгірше, що може трапитися з художником - це, якщо він доб'ється того, чого шукає. Ми завжди шукаємо те, що нас ідентифікує, відрізняє від інших, завжди перебуваємо в пошуку. Якщо ти знайшов, то, що шукав і заспокоївся, то на цьому все закінчується. Пабло Пікассо народився в тих же краях, що і я, і він теж пробував дуже багато стилів живопису протягом свого життя. І я теж так думаю: художник повинен йти туди, куди його кличе серце.
Про вибір сюжетів:
- Я малював все. Коли хотів малювати портрети, малював тільки портрети, щоб навчитися підбирати колір шкіри, передавати вираз обличчя. Малював також пейзажі, квіти, морську тематику. Багато років я малював в точності те, що бачу, а тепер зображую те, що відчуваю, намагаюся передати в картинах щось особисте. Деякі картини написані по уяві. І ще одна риса, яка характеризує мої роботи останнім часом - це те, що там обов'язково щось відбувається (з'являються кішки, собаки), і картина завжди здається коміксом. Я намагаюся створити в картині історію, цього навчила мене робота в Дісней. У мене є цікаві заголовки до картин, в які я додаю трохи гумору.
Наприклад, ось ця картина називається «Четверо на один стілець»:
А ця називається «Ми його обов'язково знайдемо» (там заховані кішки):
Тема змушує задуматися, що ж відбувається на картині? Я переробляю композицію, додаю елементи, щоб картина виглядала ефектніше. Все починається з малюнка. Для мене малюнок олівцем - це найголовніше.
Про малюнках, які «не вийшли»:
- Перш ніж починати роботу, я намагаюся чітко уявити те, що хочу отримати в результаті. Звичайно акварель така складна, що часом у вас не виходить те, чого ви хочете домогтися, і тоді доводиться картину рвати і викидати.
Скільки часу займає написання картини:
- Я не можу робити картину за кілька раз, завжди за один. Завжди, завжди, завжди за один раз! Зазвичай за 3-4 години. Адже ті, почуття, які є сьогодні, завтра можуть змінитися. Побачиш свою незакінчену картину по-іншому, і діалог, який ти задумав, не відбудеться. Я вважаю за краще закінчити цей діалог відразу.
Про формат картин:
- Зазвичай я використовую два формати: 38х52см і 27х75см. Мені більше подобаються великі формати, тоді ціна дуже сильно зростає. Тут присутній практичний підхід у виборі розміру. Мені потрібно, щоб роботи продавалися. Є ще така проблема: у покупців картин стільки картин, що їх вже нікуди вішати! Картина маленького розміру і великого - це не одне і те ж.
Про вибір паперу для малювання:
- Я працював на крупнозернистою папері ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY - але вона занадто фактурна. Потім перейшов на дрібнозернисту папір теж різних фірм ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Оскільки дрібнозернистий папір сохла дуже довго, я перейшов до сатин. А сатин дуже складний, дуже! І це стало для мене ще більшим викликом. Я малював різні теми, використовуючи різні матеріали, і всі вони мені піддавалися, а цей папір ніяк не хотіла піддаватися. Але я продовжував і продовжував з нею працювати. Цілі рулони сатину відлітали, поки я її не віддав і не створив свою мову, який мені сподобався. Пробував сатин ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Зараз я використовую FABRIANO. Цей папір нікому не подобається, не знаю - чому. В художньому магазині в Малазі, де я купую матеріали, такого паперу немає, і я замовляю рулон тільки для себе. Цей папір дає цікаві ефекти.
Про змочуванні паперу для акварелі:
- Оскільки я купую папір в рулонах, не можна просто відрізати шматочок і просто так поставити, адже папір виходить зігнутою. Я змочую її в душі, щоб вона випросталася і натягую на основу. Але сатин вбирає мало води, а для роботи мені завжди потрібно, щоб папір був волога. Я змочую частинами ті ділянки, на яких працюю. Дуже важко контролювати ступінь вологості паперу і воду, яка є в пензлику. Якщо і папір дуже волога, і в пензлику багато води, то при вертикальній роботі все потече вниз. Щоб це контролювати, потрібна практика. Можна малювати по-всякому, головне практикуватися. Я б зараз не зміг працювати горизонтально. Я знаю, наскільки розтечеться фарба, знаю, наскільки вологий папір, скільки води на пензлику. Важливо практикувати свій метод роботи і тоді ви досягнете успіху. Не можна встати з ранку і сказати: тепер я геній. Потрібно працювати і навчитися контролювати матеріали.
Про квіти:
- Я використовую мало квітів. Звичайно, квітів існує багато, але у мене ніколи не було грошей, щоб купити їх усі. Я купував основні кольори і ще 2-3 додаткових (Сієна палена, охра палена) і навчився робити з них будь-які кольори. Я раджу пробувати робити свої кольори з основних, - це дуже гарна вправа! У моїй палітрі зараз: білий, чорний, неаполітанський жовтий, жовтий кармін, жовта охра, трохи червоного, кармін, кобальт, прусський синій, Сієна натуральна, сепія.
Про палітру:
- Раніше я використовував металеві палітри з двома поверхнями для змішування, на які фарба з тюбиків видавлюється в центр. Тепер у мене палітра з баночками, в них ніколи не сохне фарба. Баночки розташовані на краях палітри, а в центрі місце для змішування. Таку палітру дуже складно знайти. Цю я знайшов в Брюсселі, вона продавалася в господарському магазині і призначалася для того, щоб розфарбовувати фігурки. Для мене це порятунок, тому що завжди є готова фарба. Я пишу густими шарами і мені обов'язково потрібна свіжа фарба.
Як ви бачите, мої роботи не такі прозорі. Мені не подобається багатошарова акварель, я вважаю за краще один шар. Це не одне й те саме: зробити темний колір відразу або декількома шарами. Якщо зробити тон за 5-6 шарів, вийде брудно і занадто густо. Тому я відразу намагаюся набрати таку кількість кольору, яке мені потрібно.
Про кистях:
- Ось ці кисті з вушного волоса я купив в мій перший приїзд до Москви. І завжди, коли приїжджаю, купую кілька штук. Тут дуже дешеві кисті, хороша економія! Звичайно, існують дуже хороші пензлики, дуже дорогі, але найголовніше - це не пензлик, а рука, практика. Немає поганих матеріалів, питання в практиці. Мої роботи зроблені цими кистями.
Я вам раджу спробувати різні-різні кисті, просто, щоб дізнатися, які вони, порівняти. Коли у мене з'явилися гроші, я купив багато пензликів. У мене в студії велика банка з великою кількістю кистей: плоскі, круглі, котячий мову, щетина, з вушного волоса бика, колонок, білка, соболь. Але ефективніше та кисть, якою ти працюєш найчастіше. У моїх кистях мені подобається, що їх не можна контролювати, лінії нечіткі. Ними можна робити і лінію, і форму. Це не просто, але мене як раз і привертає ця складність. І роботи виходять танцюючими, в русі. Картина видає щось своє, відмінне від того, що я в неї вкладаю. Це діалог - діалог зображення, паперу, фарб, пензлів і художника.
Про виробників акварелі:
- Я пробував акварель різних фірм. Коли я тільки починав малювати аквареллю, я не знав ні про SENNELIER, ні про WINSOR & NEWTON. Зараз я використовую REMBRANDT і вже звик до того, які тут кольору. У REMBRANDT така сепія, якої немає у інших виробників, ні у SCHMINCKE, ні WINSOR & NEWTON. Я не знаю, краще це чи гірше, а мені подобається. Іноді мені дарують інші фарби, але вони у мене лежать в коробці, і я їх не використовую. У міру роботи ти знаходиш свою власну палітру. Сьогодні мені не подобаються холодні сірі відтінки, а що буде завтра - я не знаю. І я використовую тільки певні кольори - це теж відмінна риса моїх робіт. Потрібно працювати, експериментувати, пробувати один колір, інший, дивитися, як він буде вписуватися в палітру. Але найголовніше - це практика. По крайней мере, у мене було так.
Про начерках:
- Для мене найголовніше у всіх техніках - це начерк. Багато людей не надають значення начерку. Але малюнок - це не тільки контури, а ще й розташування об'єктів, тон композиції - це все я фіксую в нарисі. Я завжди-завжди роблю ескізи. Хоча багато хто цього не роблять.
Про використання маскує рідини:
- У перших картинах я її використав. Але взагалі-то мені подобаються м'які кордону, а маскує рідина дає дуже чіткі межі. Якщо у вас такий стиль, коли всі лінії дуже чіткі, то це не проблема. Уявіть, що в моїй картині, де все таке м'яке і перетікає, раптом з'являться чіткі межі. Звичайно, дуже зручно закрити це все маскує рідиною. Але на цій картині спочатку я намалював човна, а потім воду. Це дуже складно.
Іноді закриваю ділянки паперовим скотчем. Але, коли я поверх нього вже намалював, то відразу його знімаю, до того, як висохне. Тоді не залишається така чітка межа.
Чи залишаєте ви білий папір?
- Так, мені подобається залишати білий папір - це класична техніка акварелі. Але я також використовую і білила, і неаполітанський жовтий, це дуже криють фарби. Не бачу в цьому жодної проблеми. Найголовніше - це результат. Я не використовую ні гуаш, ні акрил, тільки китайські акварельні білила. І не використовуйте занадто багато фарби, тоді це вже буде не акварель. Тоді потрібно малювати маслом, акрилом або темперою. Акварель повинна бути прозорою, в цьому її відмінність від інших технік.
Коли ви вчилися, ви робили копії з картин великих художників?
- Копії робити цікаво, це допомагає зрозуміти, як зроблена картина. 20 з гаком років тому я копіював Моне пастеллю. Ще копіював Веласкеса, мені подобаються його картини, вони дуже повітряні.
Про пошук свого стилю:
- Як я вже сказав раніше, найгірше - зупинитися, коли ти знайшов те, що шукав. Я ще не знайшов і ніколи не припиню пошук. Зараз я роблю так, але може, через три місяці я все поміняю - і кольору, і техніку, і сюжет. Нічого не визначено. Я пробував багато технік, багато стилів самими різними матеріалами, і це сформувало мене як художника. Пікассо сказав, що художник ніколи не знаходить, а завжди шукає. Коли ти щось знаходиш, це не кінець шляху.
Три роки я малював пастеллю, але настав такий момент, коли я зрозумів, що копіюю самого себе. Тоді я перейшов до інших матеріалів. Мої картини в стилі гіперреалізму дуже добре продавалися, але все одно я перестав цим займатися. Я можу все змінити, навіть якщо немає грошей, щоб купувати матеріали. Друзі говорили: «Як так можна? Картини добре продаються, навіщо щось міняти? »Але важливо бути чесним самим з собою. Якщо мені не подобається те, що я роблю, то я не буду це робити.
Про роботу в студії і на пленерах:
- Для своїх робіт я люблю використовувати фото. Основна тема моїх робіт - міські пейзажі. Звичайно, зараз я можу і без фото намалювати всю картину. Фото - це фіксований образ, на фото сильно спрощуються тони, змінюються тіні. Якщо звичайно його зробив не професійний фотограф, який добре вміє працювати з камерою. Але фото я можу перетворити, зробити щось більш природне, оскільки я вже багато малював з натури. Наприклад, якщо зробити фото в сонячний день, тіні на фото будуть набагато темніше, ніж в реальності. Тому моя порада: якщо ви малюєте по фото, робіть тіні світліше.
Мені подобається малювати з натури. Виходить зовсім інша робота, не така як в студії. Я завжди намагаюся малювати в студії так, як ніби я малюю з натури, щоб роботи були такими ж свіжими. Коли малюєш на пленері, часу мало, доводиться все спрощувати, потрібно встигнути висловити все, що ти хочеш за дуже короткий час. Я малюю в студії точно так же, як, якби малював на пленері. Я не у своєму розпорядженні з комфортом, використовую ту ж палітру, працюю стоячи.
Взагалі, малювати на пленері мені подобається більше. Природа дуже сильно впливає, коли малюєш з натури. І ти малюєш те, що ти бачиш. На природі я теж завжди роблю ескізи, намагаюся створити свою власну картину, трохи відштовхуючись від того, що бачу. Малюнки на пленерах більш щирі. У студії звичайно зручно, немає вітру, але я малював і під дощем, і в туман, - це складно, це виклик.
Вам подобається в Росії?
Мігель Ріос - простими словами про непросту акварелі
Його палітра - чорний, білий, умбра і сепія, а його акварелі такі легкі і наповнені життям! Як він це робить? Художник Мігель Ріос розповідає про роботу з аквареллю, про все, що так хвилює початківців художників: про своїх улюблених кистях і палітрі, про фарби і акварельного папері, про те, як знайти свій стиль і добитися успіху.
Творча зустріч з відомим іспанським художником Мігелем Ріос пройшла нещодавно в Москві. Повністю наш відео-звіт про цю подію ви можете подивитися тут Творча зустріч з Miguel Linares Rios
А нижче ми публікуємо найцікавіші витяги з майже двогодинної бесіди з художником! У цій друкованої версії ми зберегли стиль і інтонації Мігеля. Знайомтеся - емоційний і щирий Мігель Ріос.
Ось що розповів Мігель Ріос про себе і свою сім'ю:
- Я з дуже простої сім'ї. Народився я в Малазі в простому бідному районі. З самого дитинства завжди малював. Навіть в шкільних підручниках я теж малював і мене за це лаяли. Я починав як бідний художник. У мене не було грошей на те, щоб купити якісь художні матеріали, і тим більше на те, щоб відвідувати заняття. Всьому чому я навчився, я навчився сам. У мене ніколи не було вчителів, жодного!
Про освіту:
- Я не отримував ніякого художньої освіти. Десь в 15 років я став ходити в бібліотеку, брав там книги з мистецтва, читав про техніку живопису. Купити книги я не міг, тому ходив також до книгарень (причому, в різні, щоб ніхто не запідозрив) і там читав. Тепер у мене багато книг - я купив все ті книги, які раніше бачив в магазинах!
- Спочатку я займався графікою, малював олівцем, а в 20 років почав писати маслом. Перші картини були маленькими, в них вкладалося багато зусиль. А починав я з гіперреалізму, мої роботи були схожі на фотографії. Це мені дуже допомогло робити малюнок, будувати композицію і підбирати колір. Але іспанська характер - емоційний, і через якийсь час мені стало не цікаво і нудно працювати в цій техніці, і я став спрощувати і спрощувати стиль.
Без вчителів техніці навчитися складно, потрібно 3-4 роки безперервно практикуватися. Наприклад, 3-4 роки я займався тільки пастеллю. Пробував різні види паперу, кольору - як вони поєднуються. Те ж саме з аквареллю, акрилом, маслом - з усіма техніками.
Про роботу:
- У Малазі у мене своя школа. Я даю уроки по всім технікам: графіка, акварель, акрил, олія, пастель.
Перш ніж самостійно заробляти живописом, я працював в різних місцях. Я завжди заробляв тільки для того, щоб малювати, мріяв, щоб у мене була можливість займатися тільки малюванням і ніякий інший роботою. Але пройшло багато років, перш ніж так вийшло. Потрібно багато працювати, практикуватися, шукати свій стиль, адже художників дуже багато!
Кілька років я працював в студії Disney, малював комікси «Дональд Дак». Насправді я завжди хотів просто малювати, але ця робота була теж дуже корисна, адже вона вчить малюнку. Тепер я займаюся тим, що проводжу уроки, роблю виставки.
Про акварельного живопису Мігель говорив емоційно і захоплено:
- З плином часу я вирішив перейти до акварелі. Якщо я вибираю якусь техніку, то займаюся тільки нею і вже не переключаюсь ні на що інше. Я пробую різну папір, пензлики, техніку. Найголовніше - це малювати, малювати і малювати. З тих пір, як я почав займатися аквареллю, мені стали часто пропонувати проводити курси. Дуже цікаво, що це відбувається саме з аквареллю, у мене ніколи такого не було, щоб були так популярні курси і картини!
Мене часто запитують: чи не хочу я знову займатися маслом або акрилом? А я завжди говорю, що зараз я зайнятий аквареллю. Але я людина вільна, не хочу, щоб мене контролювала живопис, - це я її контролюю! Живопис - це внутрішній порив, порив серця.
Акварель - це найскладніша техніка, і її не можна підкорити на 100 відсотків. Для мене акварель - це завжди виклик, вона непередбачувана. Ті з вас, хто малює аквареллю, знають, що акварель складно контролювати. З усіма іншими матеріалами - контроль 100 відсотковий, з аквареллю - немає. Акварель - це самостійна істота, яке творить щось своє на папері. Нещодавно в журналі опублікували моє інтерв'ю, і стаття називалася: «Miguel Linares Rios. Кожна акварель - це виклик ». І ця фраза вказана в моєму каталозі до виставки.
Я думаю, найгірше, що може трапитися з художником - це, якщо він доб'ється того, чого шукає. Ми завжди шукаємо те, що нас ідентифікує, відрізняє від інших, завжди перебуваємо в пошуку. Якщо ти знайшов, то, що шукав і заспокоївся, то на цьому все закінчується. Пабло Пікассо народився в тих же краях, що і я, і він теж пробував дуже багато стилів живопису протягом свого життя. І я теж так думаю: художник повинен йти туди, куди його кличе серце.
Про вибір сюжетів:
- Я малював все. Коли хотів малювати портрети, малював тільки портрети, щоб навчитися підбирати колір шкіри, передавати вираз обличчя. Малював також пейзажі, квіти, морську тематику. Багато років я малював в точності те, що бачу, а тепер зображую те, що відчуваю, намагаюся передати в картинах щось особисте. Деякі картини написані по уяві. І ще одна риса, яка характеризує мої роботи останнім часом - це те, що там обов'язково щось відбувається (з'являються кішки, собаки), і картина завжди здається коміксом. Я намагаюся створити в картині історію, цього навчила мене робота в Дісней. У мене є цікаві заголовки до картин, в які я додаю трохи гумору.
Наприклад, ось ця картина називається «Четверо на один стілець»:
А ця називається «Ми його обов'язково знайдемо» (там заховані кішки):
Тема змушує задуматися, що ж відбувається на картині? Я переробляю композицію, додаю елементи, щоб картина виглядала ефектніше. Все починається з малюнка. Для мене малюнок олівцем - це найголовніше.
Про малюнках, які «не вийшли»:
- Перш ніж починати роботу, я намагаюся чітко уявити те, що хочу отримати в результаті. Звичайно акварель така складна, що часом у вас не виходить те, чого ви хочете домогтися, і тоді доводиться картину рвати і викидати.
Скільки часу займає написання картини:
- Я не можу робити картину за кілька раз, завжди за один. Завжди, завжди, завжди за один раз! Зазвичай за 3-4 години. Адже ті, почуття, які є сьогодні, завтра можуть змінитися. Побачиш свою незакінчену картину по-іншому, і діалог, який ти задумав, не відбудеться. Я вважаю за краще закінчити цей діалог відразу.
Про формат картин:
- Зазвичай я використовую два формати: 38х52см і 27х75см. Мені більше подобаються великі формати, тоді ціна дуже сильно зростає. Тут присутній практичний підхід у виборі розміру. Мені потрібно, щоб роботи продавалися. Є ще така проблема: у покупців картин стільки картин, що їх вже нікуди вішати! Картина маленького розміру і великого - це не одне і те ж.
Про вибір паперу для малювання:
- Я працював на крупнозернистою папері ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY - але вона занадто фактурна. Потім перейшов на дрібнозернисту папір теж різних фірм ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Оскільки дрібнозернистий папір сохла дуже довго, я перейшов до сатин. А сатин дуже складний, дуже! І це стало для мене ще більшим викликом. Я малював різні теми, використовуючи різні матеріали, і всі вони мені піддавалися, а цей папір ніяк не хотіла піддаватися. Але я продовжував і продовжував з нею працювати. Цілі рулони сатину відлітали, поки я її не віддав і не створив свою мову, який мені сподобався. Пробував сатин ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Зараз я використовую FABRIANO. Цей папір нікому не подобається, не знаю - чому. В художньому магазині в Малазі, де я купую матеріали, такого паперу немає, і я замовляю рулон тільки для себе. Цей папір дає цікаві ефекти.
Про змочуванні паперу для акварелі:
- Оскільки я купую папір в рулонах, не можна просто відрізати шматочок і просто так поставити, адже папір виходить зігнутою. Я змочую її в душі, щоб вона випросталася і натягую на основу. Але сатин вбирає мало води, а для роботи мені завжди потрібно, щоб папір був волога. Я змочую частинами ті ділянки, на яких працюю. Дуже важко контролювати ступінь вологості паперу і воду, яка є в пензлику. Якщо і папір дуже волога, і в пензлику багато води, то при вертикальній роботі все потече вниз. Щоб це контролювати, потрібна практика. Можна малювати по-всякому, головне практикуватися. Я б зараз не зміг працювати горизонтально. Я знаю, наскільки розтечеться фарба, знаю, наскільки вологий папір, скільки води на пензлику. Важливо практикувати свій метод роботи і тоді ви досягнете успіху. Не можна встати з ранку і сказати: тепер я геній. Потрібно працювати і навчитися контролювати матеріали.
Про квіти:
- Я використовую мало квітів. Звичайно, квітів існує багато, але у мене ніколи не було грошей, щоб купити їх усі. Я купував основні кольори і ще 2-3 додаткових (Сієна палена, охра палена) і навчився робити з них будь-які кольори. Я раджу пробувати робити свої кольори з основних, - це дуже гарна вправа! У моїй палітрі зараз: білий, чорний, неаполітанський жовтий, жовтий кармін, жовта охра, трохи червоного, кармін, кобальт, прусський синій, Сієна натуральна, сепія.
Про палітру:
- Раніше я використовував металеві палітри з двома поверхнями для змішування, на які фарба з тюбиків видавлюється в центр. Тепер у мене палітра з баночками, в них ніколи не сохне фарба. Баночки розташовані на краях палітри, а в центрі місце для змішування. Таку палітру дуже складно знайти. Цю я знайшов в Брюсселі, вона продавалася в господарському магазині і призначалася для того, щоб розфарбовувати фігурки. Для мене це порятунок, тому що завжди є готова фарба. Я пишу густими шарами і мені обов'язково потрібна свіжа фарба.
Як ви бачите, мої роботи не такі прозорі. Мені не подобається багатошарова акварель, я вважаю за краще один шар. Це не одне й те саме: зробити темний колір відразу або декількома шарами. Якщо зробити тон за 5-6 шарів, вийде брудно і занадто густо. Тому я відразу намагаюся набрати таку кількість кольору, яке мені потрібно.
Про кистях:
- Ось ці кисті з вушного волоса я купив в мій перший приїзд до Москви. І завжди, коли приїжджаю, купую кілька штук. Тут дуже дешеві кисті, хороша економія! Звичайно, існують дуже хороші пензлики, дуже дорогі, але найголовніше - це не пензлик, а рука, практика. Немає поганих матеріалів, питання в практиці. Мої роботи зроблені цими кистями.
Я вам раджу спробувати різні-різні кисті, просто, щоб дізнатися, які вони, порівняти. Коли у мене з'явилися гроші, я купив багато пензликів. У мене в студії велика банка з великою кількістю кистей: плоскі, круглі, котячий мову, щетина, з вушного волоса бика, колонок, білка, соболь. Але ефективніше та кисть, якою ти працюєш найчастіше. У моїх кистях мені подобається, що їх не можна контролювати, лінії нечіткі. Ними можна робити і лінію, і форму. Це не просто, але мене як раз і привертає ця складність. І роботи виходять танцюючими, в русі. Картина видає щось своє, відмінне від того, що я в неї вкладаю. Це діалог - діалог зображення, паперу, фарб, пензлів і художника.
Про виробників акварелі:
- Я пробував акварель різних фірм. Коли я тільки починав малювати аквареллю, я не знав ні про SENNELIER, ні про WINSOR & NEWTON. Зараз я використовую REMBRANDT і вже звик до того, які тут кольору. У REMBRANDT така сепія, якої немає у інших виробників, ні у SCHMINCKE, ні WINSOR & NEWTON. Я не знаю, краще це чи гірше, а мені подобається. Іноді мені дарують інші фарби, але вони у мене лежать в коробці, і я їх не використовую. У міру роботи ти знаходиш свою власну палітру. Сьогодні мені не подобаються холодні сірі відтінки, а що буде завтра - я не знаю. І я використовую тільки певні кольори - це теж відмінна риса моїх робіт. Потрібно працювати, експериментувати, пробувати один колір, інший, дивитися, як він буде вписуватися в палітру. Але найголовніше - це практика. По крайней мере, у мене було так.
Про начерках:
- Для мене найголовніше у всіх техніках - це начерк. Багато людей не надають значення начерку. Але малюнок - це не тільки контури, а ще й розташування об'єктів, тон композиції - це все я фіксую в нарисі. Я завжди-завжди роблю ескізи. Хоча багато хто цього не роблять.
Про використання маскує рідини:
- У перших картинах я її використав. Але взагалі-то мені подобаються м'які кордону, а маскує рідина дає дуже чіткі межі. Якщо у вас такий стиль, коли всі лінії дуже чіткі, то це не проблема. Уявіть, що в моїй картині, де все таке м'яке і перетікає, раптом з'являться чіткі межі. Звичайно, дуже зручно закрити це все маскує рідиною. Але на цій картині спочатку я намалював човна, а потім воду. Це дуже складно.
Іноді закриваю ділянки паперовим скотчем. Але, коли я поверх нього вже намалював, то відразу його знімаю, до того, як висохне. Тоді не залишається така чітка межа.
Чи залишаєте ви білий папір?
- Так, мені подобається залишати білий папір - це класична техніка акварелі. Але я також використовую і білила, і неаполітанський жовтий, це дуже криють фарби. Не бачу в цьому жодної проблеми. Найголовніше - це результат. Я не використовую ні гуаш, ні акрил, тільки китайські акварельні білила. І не використовуйте занадто багато фарби, тоді це вже буде не акварель. Тоді потрібно малювати маслом, акрилом або темперою. Акварель повинна бути прозорою, в цьому її відмінність від інших технік.
Коли ви вчилися, ви робили копії з картин великих художників?
- Копії робити цікаво, це допомагає зрозуміти, як зроблена картина. 20 з гаком років тому я копіював Моне пастеллю. Ще копіював Веласкеса, мені подобаються його картини, вони дуже повітряні.
Про пошук свого стилю:
- Як я вже сказав раніше, найгірше - зупинитися, коли ти знайшов те, що шукав. Я ще не знайшов і ніколи не припиню пошук. Зараз я роблю так, але може, через три місяці я все поміняю - і кольору, і техніку, і сюжет. Нічого не визначено. Я пробував багато технік, багато стилів самими різними матеріалами, і це сформувало мене як художника. Пікассо сказав, що художник ніколи не знаходить, а завжди шукає. Коли ти щось знаходиш, це не кінець шляху.
Три роки я малював пастеллю, але настав такий момент, коли я зрозумів, що копіюю самого себе. Тоді я перейшов до інших матеріалів. Мої картини в стилі гіперреалізму дуже добре продавалися, але все одно я перестав цим займатися. Я можу все змінити, навіть якщо немає грошей, щоб купувати матеріали. Друзі говорили: «Як так можна? Картини добре продаються, навіщо щось міняти? »Але важливо бути чесним самим з собою. Якщо мені не подобається те, що я роблю, то я не буду це робити.
Про роботу в студії і на пленерах:
- Для своїх робіт я люблю використовувати фото. Основна тема моїх робіт - міські пейзажі. Звичайно, зараз я можу і без фото намалювати всю картину. Фото - це фіксований образ, на фото сильно спрощуються тони, змінюються тіні. Якщо звичайно його зробив не професійний фотограф, який добре вміє працювати з камерою. Але фото я можу перетворити, зробити щось більш природне, оскільки я вже багато малював з натури. Наприклад, якщо зробити фото в сонячний день, тіні на фото будуть набагато темніше, ніж в реальності. Тому моя порада: якщо ви малюєте по фото, робіть тіні світліше.
Мені подобається малювати з натури. Виходить зовсім інша робота, не така як в студії. Я завжди намагаюся малювати в студії так, як ніби я малюю з натури, щоб роботи були такими ж свіжими. Коли малюєш на пленері, часу мало, доводиться все спрощувати, потрібно встигнути висловити все, що ти хочеш за дуже короткий час. Я малюю в студії точно так же, як, якби малював на пленері. Я не у своєму розпорядженні з комфортом, використовую ту ж палітру, працюю стоячи.
Взагалі, малювати на пленері мені подобається більше. Природа дуже сильно впливає, коли малюєш з натури. І ти малюєш те, що ти бачиш. На природі я теж завжди роблю ескізи, намагаюся створити свою власну картину, трохи відштовхуючись від того, що бачу. Малюнки на пленерах більш щирі. У студії звичайно зручно, немає вітру, але я малював і під дощем, і в туман, - це складно, це виклик.
Вам подобається в Росії?
- Я знаю только Москву. Саме в Москві я відчув, что мої роботи цінуються. Я бачу, что люди зацікавлені в моїй работе, и всі учні, Які приходять на майстер-класи, дуже старанні. Цією Вашої рісою я захоплююсь. Коли я проводжу майстер-класи в других странах, у Франції, в Испании, проблема в тому, что більшість НЕ володіє технікою акварелі. А тут зазвічай приходять люди, Які володіють технікою. Коли я пояснюю, що для малювання по вологому паперу потрібно взяти багато фарби, щоб було багато води, мене розуміють. Цього немає на інших майстер-класах. І найголовніше - всім цікаво, видно, що людям подобається вчитися, дізнаватися, як зробити те чи це. Я бачу, що багатьом не подобається робити начерки, але всі намагаються робити.
Ви в Москві були на пленерах?
- Сьогодні був відмінний день для цього. Відмінна погода. Були на Крутицький подвір'ї. Відмінний світло було, красива церква, колір стін. Але, коли холодно і дощ, це складно. Мені б дуже хотілося поставити мольберт на вікно і малювати місто.
Сьогодні я просто робив фото, як турист. Потім в студії подивлюся, що можна з цим зробити. Перевага студії в тому, що можна сісти і спокійно шукати щось своє.
Як в родині ставляться до того, що людина вибрала творчу професію, став художником, не критикують чи?
- У моїх батьків дуже ліберальне мислення. Вони завжди поважали те, чим я хотів займатися. Батько казав, що завжди потрібно працювати без начальства. У нього не було шефа, він працював на себе. Складно, але зате у мене немає начальника. Батько ніколи не малював, не займався живописом, але він передав мені цей дух свободи, бунтарства. Моєму дідусеві дуже подобалася музика, він складав твори на скрипці і на гітарі. На жаль, я його не знав. У мене є брат, і він теж вільний творець, як я, але він музикант. У нього теж не було грошей на інструменти, на навчання, але він брав інструмент і за 10 хвилин його освоював. Так само як я в живопису, - він в музиці.
А хотіли б ви з'їздити в якусь іншу країну на пленер?
- Нове місто - це завжди нові враження, новий світ, нові зображення. Для художника це завжди новий досвід і нові картини. Тому нове місце для мене збагачує мій досвід. Подорожувати мені не дуже подобається, але, коли подорожую, мене це завжди заворожує. Я бачу інші кольори. Відвідування нових міст багато мені дає. Все в путь!
Ви пишете на замовлення роботи, які вам не подобаються?
- Коли у мене не було грошей, я їздив туди, де багато художників малюють і продають свої роботи. А зараз, якщо клієнти приходять в мою студію, я показую те, що вже є. Якщо їм щось подобається, вони купують. Але, якщо б мені знадобилося малювати на вулиці портрети людей, я б це зробив. Мене це ніяк не зачіпає. Я з дуже простої сім'ї. Якщо мені потрібно брати замовлення, я буду це робити. Але зараз мені це не потрібно.
Мігель Лінарес Ріос (Miguel Linares Rios) - іспанський художник з Малаги.
Член Асоціації Художників Малаги (APLAMA)
Член групи "VIVELARTE", лауреат іспанських і міжнародних конкурсів і премій в галузі образотворчого мистецтва. Учасник численних художніх ярмарків і виставок сучасного живопису. З 1995-го по 2001-й Мігель працював для компанії Disney.
Мігель Ріос - простими словами про непросту акварелі
Його палітра - чорний, білий, умбра і сепія, а його акварелі такі легкі і наповнені життям! Як він це робить? Художник Мігель Ріос розповідає про роботу з аквареллю, про все, що так хвилює початківців художників: про своїх улюблених кистях і палітрі, про фарби і акварельного папері, про те, як знайти свій стиль і добитися успіху.
Творча зустріч з відомим іспанським художником Мігелем Ріос пройшла нещодавно в Москві. Повністю наш відео-звіт про цю подію ви можете подивитися тут Творча зустріч з Miguel Linares Rios
А нижче ми публікуємо найцікавіші витяги з майже двогодинної бесіди з художником! У цій друкованої версії ми зберегли стиль і інтонації Мігеля. Знайомтеся - емоційний і щирий Мігель Ріос.
Ось що розповів Мігель Ріос про себе і свою сім'ю:
- Я з дуже простої сім'ї. Народився я в Малазі в простому бідному районі. З самого дитинства завжди малював. Навіть в шкільних підручниках я теж малював і мене за це лаяли. Я починав як бідний художник. У мене не було грошей на те, щоб купити якісь художні матеріали, і тим більше на те, щоб відвідувати заняття. Всьому чому я навчився, я навчився сам. У мене ніколи не було вчителів, жодного!
Про освіту:
- Я не отримував ніякого художньої освіти. Десь в 15 років я став ходити в бібліотеку, брав там книги з мистецтва, читав про техніку живопису. Купити книги я не міг, тому ходив також до книгарень (причому, в різні, щоб ніхто не запідозрив) і там читав. Тепер у мене багато книг - я купив все ті книги, які раніше бачив в магазинах!
- Спочатку я займався графікою, малював олівцем, а в 20 років почав писати маслом. Перші картини були маленькими, в них вкладалося багато зусиль. А починав я з гіперреалізму, мої роботи були схожі на фотографії. Це мені дуже допомогло робити малюнок, будувати композицію і підбирати колір. Але іспанська характер - емоційний, і через якийсь час мені стало не цікаво і нудно працювати в цій техніці, і я став спрощувати і спрощувати стиль.
Без вчителів техніці навчитися складно, потрібно 3-4 роки безперервно практикуватися. Наприклад, 3-4 роки я займався тільки пастеллю. Пробував різні види паперу, кольору - як вони поєднуються. Те ж саме з аквареллю, акрилом, маслом - з усіма техніками.
Про роботу:
- У Малазі у мене своя школа. Я даю уроки по всім технікам: графіка, акварель, акрил, олія, пастель.
Перш ніж самостійно заробляти живописом, я працював в різних місцях. Я завжди заробляв тільки для того, щоб малювати, мріяв, щоб у мене була можливість займатися тільки малюванням і ніякий інший роботою. Але пройшло багато років, перш ніж так вийшло. Потрібно багато працювати, практикуватися, шукати свій стиль, адже художників дуже багато!
Кілька років я працював в студії Disney, малював комікси «Дональд Дак». Насправді я завжди хотів просто малювати, але ця робота була теж дуже корисна, адже вона вчить малюнку. Тепер я займаюся тим, що проводжу уроки, роблю виставки.
Про акварельного живопису Мігель говорив емоційно і захоплено:
- З плином часу я вирішив перейти до акварелі. Якщо я вибираю якусь техніку, то займаюся тільки нею і вже не переключаюсь ні на що інше. Я пробую різну папір, пензлики, техніку. Найголовніше - це малювати, малювати і малювати. З тих пір, як я почав займатися аквареллю, мені стали часто пропонувати проводити курси. Дуже цікаво, що це відбувається саме з аквареллю, у мене ніколи такого не було, щоб були так популярні курси і картини!
Мене часто запитують: чи не хочу я знову займатися маслом або акрилом? А я завжди говорю, що зараз я зайнятий аквареллю. Але я людина вільна, не хочу, щоб мене контролювала живопис, - це я її контролюю! Живопис - це внутрішній порив, порив серця.
Акварель - це найскладніша техніка, і її не можна підкорити на 100 відсотків. Для мене акварель - це завжди виклик, вона непередбачувана. Ті з вас, хто малює аквареллю, знають, що акварель складно контролювати. З усіма іншими матеріалами - контроль 100 відсотковий, з аквареллю - немає. Акварель - це самостійна істота, яке творить щось своє на папері. Нещодавно в журналі опублікували моє інтерв'ю, і стаття називалася: «Miguel Linares Rios. Кожна акварель - це виклик ». І ця фраза вказана в моєму каталозі до виставки.
Я думаю, найгірше, що може трапитися з художником - це, якщо він доб'ється того, чого шукає. Ми завжди шукаємо те, що нас ідентифікує, відрізняє від інших, завжди перебуваємо в пошуку. Якщо ти знайшов, то, що шукав і заспокоївся, то на цьому все закінчується. Пабло Пікассо народився в тих же краях, що і я, і він теж пробував дуже багато стилів живопису протягом свого життя. І я теж так думаю: художник повинен йти туди, куди його кличе серце.
Про вибір сюжетів:
- Я малював все. Коли хотів малювати портрети, малював тільки портрети, щоб навчитися підбирати колір шкіри, передавати вираз обличчя. Малював також пейзажі, квіти, морську тематику. Багато років я малював в точності те, що бачу, а тепер зображую те, що відчуваю, намагаюся передати в картинах щось особисте. Деякі картини написані по уяві. І ще одна риса, яка характеризує мої роботи останнім часом - це те, що там обов'язково щось відбувається (з'являються кішки, собаки), і картина завжди здається коміксом. Я намагаюся створити в картині історію, цього навчила мене робота в Дісней. У мене є цікаві заголовки до картин, в які я додаю трохи гумору.
Наприклад, ось ця картина називається «Четверо на один стілець»:
А ця називається «Ми його обов'язково знайдемо» (там заховані кішки):
Тема змушує задуматися, що ж відбувається на картині? Я переробляю композицію, додаю елементи, щоб картина виглядала ефектніше. Все починається з малюнка. Для мене малюнок олівцем - це найголовніше.
Про малюнках, які «не вийшли»:
- Перш ніж починати роботу, я намагаюся чітко уявити те, що хочу отримати в результаті. Звичайно акварель така складна, що часом у вас не виходить те, чого ви хочете домогтися, і тоді доводиться картину рвати і викидати.
Скільки часу займає написання картини:
- Я не можу робити картину за кілька раз, завжди за один. Завжди, завжди, завжди за один раз! Зазвичай за 3-4 години. Адже ті, почуття, які є сьогодні, завтра можуть змінитися. Побачиш свою незакінчену картину по-іншому, і діалог, який ти задумав, не відбудеться. Я вважаю за краще закінчити цей діалог відразу.
Про формат картин:
- Зазвичай я використовую два формати: 38х52см і 27х75см. Мені більше подобаються великі формати, тоді ціна дуже сильно зростає. Тут присутній практичний підхід у виборі розміру. Мені потрібно, щоб роботи продавалися. Є ще така проблема: у покупців картин стільки картин, що їх вже нікуди вішати! Картина маленького розміру і великого - це не одне і те ж.
Про вибір паперу для малювання:
- Я працював на крупнозернистою папері ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY - але вона занадто фактурна. Потім перейшов на дрібнозернисту папір теж різних фірм ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Оскільки дрібнозернистий папір сохла дуже довго, я перейшов до сатин. А сатин дуже складний, дуже! І це стало для мене ще більшим викликом. Я малював різні теми, використовуючи різні матеріали, і всі вони мені піддавалися, а цей папір ніяк не хотіла піддаватися. Але я продовжував і продовжував з нею працювати. Цілі рулони сатину відлітали, поки я її не віддав і не створив свою мову, який мені сподобався. Пробував сатин ARCHES, FABRIANO, SAUNDERS WATERFORD, MOULIN DU ROY. Зараз я використовую FABRIANO. Цей папір нікому не подобається, не знаю - чому. В художньому магазині в Малазі, де я купую матеріали, такого паперу немає, і я замовляю рулон тільки для себе. Цей папір дає цікаві ефекти.
Про змочуванні паперу для акварелі:
- Оскільки я купую папір в рулонах, не можна просто відрізати шматочок і просто так поставити, адже папір виходить зігнутою. Я змочую її в душі, щоб вона випросталася і натягую на основу. Але сатин вбирає мало води, а для роботи мені завжди потрібно, щоб папір був волога. Я змочую частинами ті ділянки, на яких працюю. Дуже важко контролювати ступінь вологості паперу і воду, яка є в пензлику. Якщо і папір дуже волога, і в пензлику багато води, то при вертикальній роботі все потече вниз. Щоб це контролювати, потрібна практика. Можна малювати по-всякому, головне практикуватися. Я б зараз не зміг працювати горизонтально. Я знаю, наскільки розтечеться фарба, знаю, наскільки вологий папір, скільки води на пензлику. Важливо практикувати свій метод роботи і тоді ви досягнете успіху. Не можна встати з ранку і сказати: тепер я геній. Потрібно працювати і навчитися контролювати матеріали.
Про квіти:
- Я використовую мало квітів. Звичайно, квітів існує багато, але у мене ніколи не було грошей, щоб купити їх усі. Я купував основні кольори і ще 2-3 додаткових (Сієна палена, охра палена) і навчився робити з них будь-які кольори. Я раджу пробувати робити свої кольори з основних, - це дуже гарна вправа! У моїй палітрі зараз: білий, чорний, неаполітанський жовтий, жовтий кармін, жовта охра, трохи червоного, кармін, кобальт, прусський синій, Сієна натуральна, сепія.
Про палітру:
- Раніше я використовував металеві палітри з двома поверхнями для змішування, на які фарба з тюбиків видавлюється в центр. Тепер у мене палітра з баночками, в них ніколи не сохне фарба. Баночки розташовані на краях палітри, а в центрі місце для змішування. Таку палітру дуже складно знайти. Цю я знайшов в Брюсселі, вона продавалася в господарському магазині і призначалася для того, щоб розфарбовувати фігурки. Для мене це порятунок, тому що завжди є готова фарба. Я пишу густими шарами і мені обов'язково потрібна свіжа фарба.
Як ви бачите, мої роботи не такі прозорі. Мені не подобається багатошарова акварель, я вважаю за краще один шар. Це не одне й те саме: зробити темний колір відразу або декількома шарами. Якщо зробити тон за 5-6 шарів, вийде брудно і занадто густо. Тому я відразу намагаюся набрати таку кількість кольору, яке мені потрібно.
Про кистях:
- Ось ці кисті з вушного волоса я купив в мій перший приїзд до Москви. І завжди, коли приїжджаю, купую кілька штук. Тут дуже дешеві кисті, хороша економія! Звичайно, існують дуже хороші пензлики, дуже дорогі, але найголовніше - це не пензлик, а рука, практика. Немає поганих матеріалів, питання в практиці. Мої роботи зроблені цими кистями.
Я вам раджу спробувати різні-різні кисті, просто, щоб дізнатися, які вони, порівняти. Коли у мене з'явилися гроші, я купив багато пензликів. У мене в студії велика банка з великою кількістю кистей: плоскі, круглі, котячий мову, щетина, з вушного волоса бика, колонок, білка, соболь. Але ефективніше та кисть, якою ти працюєш найчастіше. У моїх кистях мені подобається, що їх не можна контролювати, лінії нечіткі. Ними можна робити і лінію, і форму. Це не просто, але мене як раз і привертає ця складність. І роботи виходять танцюючими, в русі. Картина видає щось своє, відмінне від того, що я в неї вкладаю. Це діалог - діалог зображення, паперу, фарб, пензлів і художника.
Про виробників акварелі:
- Я пробував акварель різних фірм. Коли я тільки починав малювати аквареллю, я не знав ні про SENNELIER, ні про WINSOR & NEWTON. Зараз я використовую REMBRANDT і вже звик до того, які тут кольору. У REMBRANDT така сепія, якої немає у інших виробників, ні у SCHMINCKE, ні WINSOR & NEWTON. Я не знаю, краще це чи гірше, а мені подобається. Іноді мені дарують інші фарби, але вони у мене лежать в коробці, і я їх не використовую. У міру роботи ти знаходиш свою власну палітру. Сьогодні мені не подобаються холодні сірі відтінки, а що буде завтра - я не знаю. І я використовую тільки певні кольори - це теж відмінна риса моїх робіт. Потрібно працювати, експериментувати, пробувати один колір, інший, дивитися, як він буде вписуватися в палітру. Але найголовніше - це практика. По крайней мере, у мене було так.
Про начерках:
- Для мене найголовніше у всіх техніках - це начерк. Багато людей не надають значення начерку. Але малюнок - це не тільки контури, а ще й розташування об'єктів, тон композиції - це все я фіксую в нарисі. Я завжди-завжди роблю ескізи. Хоча багато хто цього не роблять.
Про використання маскує рідини:
- У перших картинах я її використав. Але взагалі-то мені подобаються м'які кордону, а маскує рідина дає дуже чіткі межі. Якщо у вас такий стиль, коли всі лінії дуже чіткі, то це не проблема. Уявіть, що в моїй картині, де все таке м'яке і перетікає, раптом з'являться чіткі межі. Звичайно, дуже зручно закрити це все маскує рідиною. Але на цій картині спочатку я намалював човна, а потім воду. Це дуже складно.
Іноді закриваю ділянки паперовим скотчем. Але, коли я поверх нього вже намалював, то відразу його знімаю, до того, як висохне. Тоді не залишається така чітка межа.
Чи залишаєте ви білий папір?
- Так, мені подобається залишати білий папір - це класична техніка акварелі. Але я також використовую і білила, і неаполітанський жовтий, це дуже криють фарби. Не бачу в цьому жодної проблеми. Найголовніше - це результат. Я не використовую ні гуаш, ні акрил, тільки китайські акварельні білила. І не використовуйте занадто багато фарби, тоді це вже буде не акварель. Тоді потрібно малювати маслом, акрилом або темперою. Акварель повинна бути прозорою, в цьому її відмінність від інших технік.
Коли ви вчилися, ви робили копії з картин великих художників?
- Копії робити цікаво, це допомагає зрозуміти, як зроблена картина. 20 з гаком років тому я копіював Моне пастеллю. Ще копіював Веласкеса, мені подобаються його картини, вони дуже повітряні.
Про пошук свого стилю:
- Як я вже сказав раніше, найгірше - зупинитися, коли ти знайшов те, що шукав. Я ще не знайшов і ніколи не припиню пошук. Зараз я роблю так, але може, через три місяці я все поміняю - і кольору, і техніку, і сюжет. Нічого не визначено. Я пробував багато технік, багато стилів самими різними матеріалами, і це сформувало мене як художника. Пікассо сказав, що художник ніколи не знаходить, а завжди шукає. Коли ти щось знаходиш, це не кінець шляху.
Три роки я малював пастеллю, але настав такий момент, коли я зрозумів, що копіюю самого себе. Тоді я перейшов до інших матеріалів. Мої картини в стилі гіперреалізму дуже добре продавалися, але все одно я перестав цим займатися. Я можу все змінити, навіть якщо немає грошей, щоб купувати матеріали. Друзі говорили: «Як так можна? Картини добре продаються, навіщо щось міняти? »Але важливо бути чесним самим з собою. Якщо мені не подобається те, що я роблю, то я не буду це робити.
Про роботу в студії і на пленерах:
- Для своїх робіт я люблю використовувати фото. Основна тема моїх робіт - міські пейзажі. Звичайно, зараз я можу і без фото намалювати всю картину. Фото - це фіксований образ, на фото сильно спрощуються тони, змінюються тіні. Якщо звичайно його зробив не професійний фотограф, який добре вміє працювати з камерою. Але фото я можу перетворити, зробити щось більш природне, оскільки я вже багато малював з натури. Наприклад, якщо зробити фото в сонячний день, тіні на фото будуть набагато темніше, ніж в реальності. Тому моя порада: якщо ви малюєте по фото, робіть тіні світліше.
Мені подобається малювати з натури. Виходить зовсім інша робота, не така як в студії. Я завжди намагаюся малювати в студії так, як ніби я малюю з натури, щоб роботи були такими ж свіжими. Коли малюєш на пленері, часу мало, доводиться все спрощувати, потрібно встигнути висловити все, що ти хочеш за дуже короткий час. Я малюю в студії точно так же, як, якби малював на пленері. Я не у своєму розпорядженні з комфортом, використовую ту ж палітру, працюю стоячи.
Взагалі, малювати на пленері мені подобається більше. Природа дуже сильно впливає, коли малюєш з натури. І ти малюєш те, що ти бачиш. На природі я теж завжди роблю ескізи, намагаюся створити свою власну картину, трохи відштовхуючись від того, що бачу. Малюнки на пленерах більш щирі. У студії звичайно зручно, немає вітру, але я малював і під дощем, і в туман, - це складно, це виклик.
Вам подобається в Росії?
- Я знаю тільки Москву. Саме в Москві я відчув, що мої роботи цінуються. Я бачу, що люди зацікавлені в моїй роботі, і всі учні, які приходять на майстер-класи, дуже старанні. Цією вашої рисою я захоплююся. Коли я проводжу майстер-класи в інших країнах, у Франції, в Іспанії, проблема в тому, що більшість не володіє технікою акварелі. А тут зазвичай приходять люди, які володіють технікою. Коли я пояснюю, що для малювання по вологому паперу потрібно взяти багато фарби, щоб було багато води, мене розуміють. Цього немає на інших майстер-класах. І найголовніше - всім цікаво, видно, що людям подобається вчитися, дізнаватися, як зробити те чи це. Я бачу, що багатьом не подобається робити начерки, але всі намагаються робити.
Ви в Москві були на пленерах?
- Сьогодні був відмінний день для цього. Відмінна погода. Були на Крутицький подвір'ї. Відмінний світло було, красива церква, колір стін. Але, коли холодно і дощ, це складно. Мені б дуже хотілося поставити мольберт на вікно і малювати місто.
Сьогодні я просто робив фото, як турист. Потім в студії подивлюся, що можна з цим зробити. Перевага студії в тому, що можна сісти і спокійно шукати щось своє.
Як в родині ставляться до того, що людина вибрала творчу професію, став художником, не критикують чи?
- У моїх батьків дуже ліберальне мислення. Вони завжди поважали те, чим я хотів займатися. Батько казав, що завжди потрібно працювати без начальства. У нього не було шефа, він працював на себе. Складно, але зате у мене немає начальника. Батько ніколи не малював, не займався живописом, але він передав мені цей дух свободи, бунтарства. Моєму дідусеві дуже подобалася музика, він складав твори на скрипці і на гітарі. На жаль, я його не знав. У мене є брат, і він теж вільний творець, як я, але він музикант. У нього теж не було грошей на інструменти, на навчання, але він брав інструмент і за 10 хвилин його освоював. Так само як я в живопису, - він в музиці.
А хотіли б ви з'їздити в якусь іншу країну на пленер?
- Нове місто - це завжди нові враження, новий світ, нові зображення. Для художника це завжди новий досвід і нові картини. Тому нове місце для мене збагачує мій досвід. Подорожувати мені не дуже подобається, але, коли подорожую, мене це завжди заворожує. Я бачу інші кольори. Відвідування нових міст багато мені дає. Все в путь!
Ви пишете на замовлення роботи, які вам не подобаються?
- Коли у мене не було грошей, я їздив туди, де багато художників малюють і продають свої роботи. А зараз, якщо клієнти приходять в мою студію, я показую те, що вже є. Якщо їм щось подобається, вони купують. Але, якщо б мені знадобилося малювати на вулиці портрети людей, я б це зробив. Мене це ніяк не зачіпає. Я з дуже простої сім'ї. Якщо мені потрібно брати замовлення, я буду це робити. Але зараз мені це не потрібно.
Мігель Лінарес Ріос (Miguel Linares Rios) - іспанський художник з Малаги.
Член Асоціації Художників Малаги (APLAMA)
Член групи "VIVELARTE", лауреат іспанських і міжнародних конкурсів і премій в галузі образотворчого мистецтва. Учасник численних художніх ярмарків і виставок сучасного живопису. З 1995-го по 2001-й Мігель працював для компанії Disney.
Як він це робить?Мене часто запитують: чи не хочу я знову займатися маслом або акрилом?
Чи залишаєте ви білий папір?
Коли ви вчилися, ви робили копії з картин великих художників?
Друзі говорили: «Як так можна?
Картини добре продаються, навіщо щось міняти?
Вам подобається в Росії?
Ви в Москві були на пленерах?
Як в родині ставляться до того, що людина вибрала творчу професію, став художником, не критикують чи?
А хотіли б ви з'їздити в якусь іншу країну на пленер?